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EL CINE EUROPEO Y JAPONÉS EN LOS AÑOS 30: Nacimiento de las Industrias Nacionales
Preguntas como: cuales fueron los países que supieron adaptarse al sonido, si se utilizó idiomas de cada país para crear industrias nacionales, que sucedió con los narradores de cine en Japón, y con las grandes industrias del cine europeo, son las que trata de resolver el siguiente artículo.
Para empezar hay que recordar que durante este periodo Europa está dividida en países gobernados por dictaduras y países con democracias. Esta diferencia va a influir enormemente en el cine.
Realmente en Europa ningún país tendrá una industria nacional; sólo Alemania contaba con los elementos propios para ello, pero tampoco se consolidará. Los países europeos se dan cuenta de que sólo EE. UU. tiene los medios necesarios para hacer cine, para tener una industria poderosa. No sólo cuesta rodar las películas, sino también distribuirlas y exhibirlas, y en los países europeos se rodaba con sistemas propios de sonido que no eran compatibles con los americanos. Por ejemplo, El misterio de la Puerta del Sol de Francisco Elías se rodó con un sistema de sonido barato, pero luego no se pudo distribuir. Hay dos sistemas de exhibición en EE. UU.:
• Blind booking: se compran películas sin haberlas visto, presumiendo que son buenas por ser de una productora determinada, por ejemplo de la Paramount.
• Block booking: se compran las películas por bloques. Junto con una película de éxito se pacta comprar un número determinado de películas menores aún sin hacer. Estos sistemas garantizan el monopolio de la exhibición americana en Europa.
Los elementos que intervienen para que en un país se desarrolle una industria cinematográfica potente son tres:
1. Contar con sistemas de sonido propios.
2. El régimen político; en una democracia correrá a cargo d empresas privadas, mientras que en una dictadura será el Estado el que la controle.
3. Productoras grandes que muevan el capital.
Las pequeñas democracias en Europa no tienen dinero para crear una industria nacional. Todos los países tienen los mismos problemas, la falta de dinero, la falta de sistemas de sonido compatibles y el monopolio americano.
Contenido
Alemania
Era el país más preparado para crear una potente industria cinematográfica porque se daba una serie de características:
• Tenía un sistema de sonido sólido (Triergón.)
• Cuenta con una amplia tradición cinematográfica. El Expresionismo en la época muda y también una gran tradición teatral de la que saldrán grandes intérpretes.
• Una productora nacional fuerte, la UFA.
La falta de dinero debido a la inflación supone una ventaja económica: es más barato producir películas aquí que en otros países. Además muchos cineastas alemanes habían emigrado a Hollywood durante el periodo mudo y con la llegada del sonoro, al no poder adaptarse, volvieron a Alemania trayendo consigo la tecnología y avances de la industria norteamericana. El ángel azul, de Josef von Sternberg e interpretada por Emil Jannings, es la primera película sonora alemana. Fue muy cara y cuenta con abundantes medios (movimientos de cámara, decorados, etc.)
Pabst : es uno de los directores alemanes más interesante e importante de este periodo, políticamente incorrecto, hasta el límite de rodar escenas de lesbianismo muy sugeridas. Hizo la primera adaptación sonora del Quijote. Lo que más le interesaban eran las escenas en las que Don Quijote luchaba contra las injusticias sociales, porque Pasbt era de izquierdas y muy polémico.
Fritz Lang: pertenece al periodo mudo, forma parte del Expresionismo. Interesan sus películas policíacas, como M, el vampiro de Düsseldorf (1931) y Mabuse. Se han querido ver como anticipatorios de una catástrofe, el nazismo. Lo más interesante es por qué los alemanes triunfaron con este tipo de películas y no con otras. La razón es que aunque no eran expresionistas toman muchos elementos de éste, de amplia tradición en Alemania, como por ejemplo los personajes. Además eran películas muy conceptuales, se seguía usando la estética del cine mudo en algunas partes del montaje. Lang va a realizar un cine policíaco muy interesante que competirá incluso con el deEEUUen calidad y gusto.
Leni Riefenstahl: Explotó un cine temático que interesaba mucho al nazismo: el montañismo (Ejemplo: La montaña sagrada) Pero se dedicó sobre todo a los documentales, para los que eligió dos temas: El Día del Partido y las Olimpiadas de Berlín de 1936. El triunfo de la voluntad (1935) retrata la celebración del Día del Partido (su preparación, los actos, etc.) Utiliza todas las técnicas del montaje soviético de Eisenstein, el montaje de masa, porque aunque Hitler era el líder, pel protagonista era la masa. Consigue que el espectador se identifique con ella, mostrándola en ocasiones como seres humanos que viven y sienten. Es una película de gran belleza que funcionó muy bien cinematográficamente gracias a su utilización perfecta del montaje. El documental fue un éxito y por ello obtiene el permiso para rodar las Olimpiadas de Berlín. El problema fue que el afroamericano Jessy Owens se llevó cuatro medallas de oro de las importantes. Intentar hacer propaganda de la raza aria cuando ocurrió una cosa así hace que la película caiga continuamente en la contradicción.
En Alemania no se generan los géneros (entendidos a la manera de los americanos) porque antes de que se consolide la industria Hitler llega al poder y se produce una ruptura con la tradición. “El arte tiene que ser libre pero seguir las doctrinas del nazismo” (Goebbels) Esto hizo que la mayoría de cineastas emigrasen; algunos recibieron ofertas para quedarse pero la mayoría las rechazaron, como Lang. Hitler entendía el poder del cine como medio de propaganda, se crea así el Instituto de Crédito Cinematográfico, para solucionar con dinero la ausencia del componente artístico en el cine. Sólo se concedía el crédito (50%) a las películas arias afines al régimen. Los requisitos eran muy difíciles de cumplir, la mayoría de cineastas tuvieron que reconvertirse. El único que se ajustaba perfectamente a esto era el actor Emil Janning, afín al régimen. Llegó a ser nombrado “actor del régimen”.
La Lengua del Tercer Reich de Víctor Klemperer: en la obra el autor judío habla de que cuando Hitler llegó al poder decidió que el idioma alemán no era muy puro y cambió aquellas palabras que no eran de origen alemán. La teoría de Hitler es que si se controlaba el idioma se controla también el pensamiento. El problema es que no se puede crear arte con un idioma controlado; esto es aplicable al cine. Probablemente si Hitler no hubiese llegado al poder la industria cinematográfica alemana habría alcanzado un gran poder equiparable al de EEUU.
Francia
Es una democracia, pero también un gran imperio con riqueza y colonias por todo el mundo. Sin embargo no tiene un sistema de sonido poderoso, como el alemán Triergón o los americanos (tuvo muchos pero no tan buenos). Elementos característicos:
- El crack del 29 afectó especialmente a la economía francesa, por lo que no hubo capital que se quisiese invertir en un factor de riesgo como era el paso del cine mudo al sonoro.
- En los estudios Joinville de París, la Paramount hacía una producción de apariencia francesa con intérpretes y equipo francés, pero no era realmente tal, sino otro medio de expansión americano. Además muchos franceses se van a Alemania a hacer cine, gran parte de las películas francesas de esta época están hechas en Berlín.
- Las productoras francesas no consiguen adaptarse al cambio.
- Pathé: obra de un judío de oscuro pasado (realizaba documentales pornográficos). Lleva a cabo una serie de actuaciones industriales que junto con el fuerte antisemitismo que se daba en Europa, llevan a la productora a la ruina.
- Gaumont: durante los años 20 había pedido muchos préstamos que continúa pagando.
De todos los factores necesarios para crear una industria nacional no tiene casi ninguno. Sí tenía dinero, lo que permitió que surgieran muchos directores y se hicieran muchas películas.
El Realismo o Naturalismo poético se aleja de la tradición expresionista o formalista y busca el realismo en sus películas, en las que se acerca a la clase obrera y a los problemas sociales. Los dos directores más importantes serían Renoir y VigoVigo.
Renoir: hizo una película sobre la alta sociedad, una crítica. Sus películas más importantes son Las reglas del juego, La gran ilusión y Un día en el campo (argumento mínimo, sus escenas revocan al Impresionismo pictórico)
Jean Vigo: solo hizo tres películas, A propósito de Niza, Cero en conducta y L'Atalante. Las dos primeras son mediometrajes y el tercero un largometraje sin acabar, de una tristeza y poesía increíbles. La más importante de ellas es Cero en conducta, que trata de un internado en el que los estudiantes hacen una revolución. Fue censurada totalmente porque se consideraba escandalosa por ser una crítica a la autoridad (Vigo era anarquista)
Gaston Ravel: realizó la primera película sonora en Francia, El collar de la reina (1929)
René Clair: fue uno de los iniciadores del Realismo Poético.
La kermesse heroica, Jacques Feyder. No pertenece al Realismo Poético, aunque tiene algo de lirismo en la recreación histórica. Aunque la producción francesa era pobre ésta es una excepción; es una película muy compleja, con una gran cantidad de decorados y personajes. No pertenece a ningún género porque no hubo más películas como ésta que configuraran uno.
Italia
Cuenta con una tradición cinematográfica importante (en la etapa de cine mudo era una superpotencia del cine), pero en este momento no tiene grandes productoras ni tampoco un buen sistema de sonido. Su sistema político era una dictadura, el fascismo de Mussolini, desde 1922; éste quería un cine fascista con unas características muy determinadas. No apoyaba el movimiento Futurista, de derechas, en el que aparecían máquinas, armas, destrucción o muerte. El cine romano era el que se adaptaba a la ideología fascista. Uno de los defectos de Italia es que en cuanto al sonido, no había otros países donde se hablase también el italiano; por ello Mussolini obligó a que todas las películas fuesen en italiano, sin subtítulos, dobladas. Otra de las armas de Mussolini fue la censura. Se preocupó también por la formación de cineastas, creó cine-clubs (se veía una película y luego se comentaba), revistas de cine y el Centro Experimental de Cinematografía (que es la actual Escuela de Cine de Roma) y su modelo se extiende a otros países como España, aunque tardíamente. Características del cine italiano de esta época:
• Continuidad del cine histórico: continuidad con las películas romanas. El Imperio Romano es el periodo elegido para su cine, y también el reino, ambos muy relacionados con el fascismo. El director más representativo fue Blasetti.
• Comedias de teléfonos blancos: llamadas así porque salían con frecuencia teléfonos blancos en ellas. Son de poca trascendencia.
Inglaterra
En los años 20, el cine de Inglaterra era pobre y sufría el efecto de los contratos con los americanos (block booking y blind booking) Fue el primer país que tomó medidas contra esto. Su sistema político era la democracia. No tenían un buen sistema de sonido y sus productoras estaban acobardadas por los EEUU. Las tres productoras más importantes eran:
1. Gaumont British Picture Corporation
2. Asociated British.
3. London Films.
Las dos primeras comenzaron en el periodo mudo y tienen serios problemas económicos. La Gaumont tenía a su director estrella, Hitchcock. London Films surgió después, de la mano de Alexander Korda, quien llegó a Inglaterra y se dio cuenta de que no explotaban su cine y que por tanto sería bueno dar cine inglés a los ingleses. Intentó crear dos géneros cinematográficos, pero que sólo fueron dos ciclos o temas:
• Películas históricas: sobre personajes de la historia británica (sobre todo) y no británica.
• Cine colonial: junto a su hermano Zoltan. Las cuatro plumas es el prototipo de este tipo de cine, con una subtrama de amor en medio de una guerra en las colonias de Inglaterra. Funciona como el western, pero no tiene ese toque bíblico y es más económico. No lleva la religión a la gente, como sí lo hacía el western, y era de carácter más comercial.
Hitchcock: todas sus películas se basan en el suspense y el thriller, pero no de la forma del cine negro norteamericano o el alemán (por ejemplo La muchacha de Londres.) Piensa siempre en el espectador, mete fuertes tramas sexuales y amorosas pero que se quedan medio diluidas, buscando que el espectador sucumba al suspense. Su protagonista suele ser un hombre al que se le acusa de algo que no hizo, aunque hay algunas excepciones, como en La muchacha de Londres que es una chica. Otro elemento característico es la historia de amor con una rubia, que puede ser mala o buena (más variado que en otros cines) siempre muy elegante y con una tensión sexual presente.
Documental social: en Canadá e Inglaterra se hicieron unos documentales sociales muy interesantes. No tiene por qué tener relación directa con el público. Dentro de este tema, Robert Flaherty realizó Hombres de Arán: Arán es un conjunto de islas en Irlanda donde la gente vive de la pesca. El director sólo graba lo que ocurre allí, este es el modelo clásico del documental social, un director va y garba el día a día de un tipo de sociedad. Harry Watt rueda El mar del Norte siguiendo el esquema de Flaherty. Otro director, Basil Wright no sigue el sistema de los anteriores sino que se centra en temas más pequeños como las fábricas, las centrales, etc.
URSS
Están inmersos en el Socialismo, que también es una dictadura donde el Estado interviene totalmente. Tiene una gran tradición cinematográfica, pero no tiene dinero. Ocurre algo triste en este país que tiene un gran mercado pero sólo un productor, un distribuidor y un exhibidor. Las películas sonoras no llegan porque no tienen dinero para comprarlas, ni un sistema de sonido, ni ninguna de las características necesarias. El cine soviético sufrió un parón a causa del sonido, y el sistema político tampoco ayudó. Al cine llegó gente muy joven, como Eisenstein que realizó su primera película a los 17 años; pero el sistema soviético no favorece a la nueva generación de cineastas. Cuando Stalin llegó al poder decidió que ni las Vanguardias ni el Constructivismo le servían, por lo que los elimina. Dice que el arte debe ser comprensible para todos y conforme a sus ideales. Tenía que ser una exaltación de los ideales soviéticos y sobre todo del poder de Stalin. También apareció el Realismo Soviético, pero Stalin quería que ese realismo sirviese para exaltar al líder. Se dio cuenta también de que necesita un medio para llegar al cine; Shumiatski fue la persona elegida para que llevase todo el sector cinematográfico e instauró la censura. Primero había que someter el guion a censura, luego el rodaje y también se podía censurar durante el montaje, lo que hacía que el proceso fuese muy lento. Decide además motivar a la gente que hace mejores películas dándoles ayudas económicas para las siguientes que realizasen. Y las películas que se consideraban las mejores eran obviamente las más stalinistas.
Se crearon estudios en Moscú y Stalingrado. Aparece una línea temática, la figura del líder, como metáfora del propio Stalin sin mencionarlo. Dos películas destacadas de esta época son Vassiliex y Chapiev. La segunda narra la llamada “guerra blanca”, una guerra civil entre zaristas y obreros, ganada por estos últimos. Chapiev es un hombre, el elegido, que aglutina a todo el pueblo y combate al enemigo. En Madrid estuvo mucho tiempo en cartel durante la Guerra Civil. Otra película importante es Alexander Nevski de Eisenstein, en la que se remontan al pasado y los teutones invaden Rusia. El monje Alexander Nevski aglutina también al pueblo y logran expulsar a los teutones. La idea clave es que a Stalin hay que compararlo con lo más grande que había habido en Rusia, el zar.
España
No cuenta con un sistema de sonido y además gustaba el modelo de cine estadounidense. Se encontraba en régimen de democracia cuando llegó el cine sonoro. Los primeros estudios sonoros fueron Orphea en Barcelona, y más tarde se crearon algunos en Madrid. Las películas que se hacían en esta época constituyen el periodo dorado del cine español, sobre todo en los últimos años de la República, a pesar de tenerlo todo en contra. Durante el 33-36 (periodo más importante) el Estado no apoyaba el cine y se usaban sistemas americanos. Los apoyos con los que contaba el cine eran:
• El idioma: era el español, no había doblaje, porque contaba con un amplio mercado de público hispanohablante.
• La “españolada”: películas que apelan a los sentimientos nacionales, sobre todo a lo andaluz, como el honor, el amor, etc. Incluían algunas canciones de tipo folclórico, como las coplas. Un ejemplo es Nobleza baturra, con Imperio Argentina y dirigida por Florián Rey, que hizo también Morena Clara, del mismo estilo.
Cifesa: la gran productora española, se especializó en españoladas y películas de temática religiosa.
Filmófono: trabaja con el director Sáez de Heredia, director de Raza.
Benito Perojo: fue un director muy importante tanto en la época muda como en la sonora; una de sus películas más importantes es La verbena de la paloma.
Luis Marquina: Don Quintín el amargao, El bailarín y el trabajador.
Luis Buñuel: Las Hurdes, tierra sin pan, documental que fue censurado. Buñuel sigue un modelo distinto al de los directores de documentales británicos, siguiendo el movimiento Realista español, muy cruel y realista; porque el cine español es de los más realistas del mundo.
Japón
Tenía una tradición en el cine, aunque muy peculiar. Era una dictadura desde el feudalismo y llevaba siglos de atraso. Era un sistema cerrado y aislado pero hacían cine. La exhibición pasaba por el benshi (narrador) que narraba la historia (esto está tomado del teatro kabuki de marionetas en el que el narrador contaba la historia y ponía las voces a las marionetas) En el cine mudo las películas eran más lentas para que al benshi le diese tiempo a decir todos los diálogos, contar la historia, etc. Había aproximadamente 7000 benshis y cuando llegó el sonido se aterran ante la idea de perder el trabajo e hicieron huelgas y protestas. Al principio a las películas sonoras se les quitaba el sonido y el benshi las narraban, pero no triunfó. Fue el único país opuesto al lenguaje clásico de Hollywood. En Japón gustaba lo japonés. El cine japonés, geki, se dividía en dos tipos:
• Jidai Geki: el más habitual. Películas históricas sobre samuráis donde se defiende el honor del señor feudal. Mizoguchi fue un director muy importante en este tipo de cine, sus películas son siempre históricas y tratan sobre el honor.
• Gendai Geki: de corte realista, generalmente ambientado en Tokio. Sus protagonistas son gente desfavorecida o gente que con contacta con desfavorecidos, como médicos. El director más representativo fue Ozu.
Véase también
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