- Cine de animación
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En el cine de animación se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes una por una mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas, de forma que, al proyectarse consecutivamente, se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
Contenido
Definición de animación
La definición correcta de la palabra animación proviene del latín, lexema «anima» que significa «alma». Por tanto, la acción de animar se debería traducir como «dotar de alma», refiriéndose a todo aquello que no la tuviera.
Según el animador norteamericano Gene Deitch, «“animación cinemática” es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»
Tipos de animación
- Animación tradicional
- Stop Motion
- Animación 3D
- Animación experimental
- Animación motion capture
Breve historia de la animación
La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine. Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento, para que se mantengan estáticos. Otros descubrimientos posteriores, en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte. Leonardo Da Vinci también experimentó con la figura en movimiento, como se puede comprobar en su ilustración de las proporciones humanas, en las que dibuja las que parecen ser dos fases de una misma acción.
El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca.
El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».
Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.
Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.
Surgimiento en Francia
La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación. Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!, de 12 minutos de duración.
El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, de un minuto y veinte segundos de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.
Otros pioneros
James Stuart Blackton y el español Segundo de Chomón.
Durante el cine mudo
Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron las principales formas del cine de animación.
Por un lado, las películas más comerciales, destinadas al público masivo, como las producidas por Walt Disney o las que incluían personajes como Popeye o Betty Boop, y por otro lado artistas de vanguardia que contemplaron la animación como una extensión de las artes plásticas y realizaron obras experimentales (Oskar Fischinger, Len Lye, etc.).
Entre medias, infinitas modalidades, desde los cuentos tradicionales en siniestros muñecos animados por Ladislaw Starewicz hasta el "reportaje animado" sobre el hundimiento del Lusitania de Winsor McCay.
Largometrajes de animación
El primer largometraje de animación fue mudo y argentino El apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines.[1]
Otros largometrajes tempranos (que sí están a disposición del público actual) fueron Die abenteuer des Prinzen Achmed (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en 1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanitos.
Previamente a la II Guerra Mundial, la animación era utilizada como arma política, en la que se ridiculizaba a los grandes dictadores de la época. Durante la guerra, eran populares entre los soldados americanos las proyecciones y las tiras cómicas de "Ducktators", una serie de cortometrajes de Warner Brothers. Los soldados decoraban las bombas y los aviones con dibujos de "Ducktators".
Después de la Segunda Guerra Mundial hubo un enorme desarrollo de lo que ya era la Industria del Cine de Animación.
En Estados Unidos, se consolidó el cartoon clásico con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros. (con artistas como Chuck Jones y Friz Freleng; personajes como Bugs Bunny, el pato Lucas, Elmer, Porky, etc.), de la Metro Goldwyn Mayer (con Tex Avery), y posteriormente el nuevo estilo de la UPA.
El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips. Hasta nuestros días, el NFB ha producido la obra de numerosos artistas, entre los que se puede destacar a Frédéric Back, Ryan Larkin, Ishu Patel, Caroline Leaf, Chris Landreth, etcétera.
En los países del bloque comunista, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo (y en muchos casos realizaron películas contra el régimen político que sufrían, en clave para pasar la censura). La primera gran figura de este desarrollo fue la del animador checo de marionetas Jiri Trnka, un artista popular y delicado.
En estos años también empezaron a realizarse películas animadas en China y Japón.
La animación y la televisión
En los años 1960 y 1970, con la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron definitivamente de los cines, a partir de entonces limitadas a los largometrajes comerciales, terreno dominado por Disney hasta los años 1990. A pesar de ello el cortometraje floreció en otros canales de distribución (festivales, circuitos especializados, etc.), sobre todo con la aparición de numerosas escuelas de animación en todo el mundo.
En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine. Sin embargo, en los años 70 algunas alternativas gozaron de favor del público. El más conocido puede ser Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground (Heavy Traffic, Fritz el gato caliente) y posteriormente sus películas de fantasía (El señor de los anillos, Wizards, Tygra). Entre los cortometrajistas destacaron John y Faith Hubley.
Las industrias de Europa del Este y la Unión Soviética, se convirtieron en las más potentes del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Švankmajer, que utiliza el stop-motion y la plastilina para crear mundos surrealistas. Otros nombres que se pueden mencionar son los de Marcell Jankovics, Sándor Reisenbüchler, Yuri Norstein, Walerian Borowczyk, Jan Lenica, etcétera.
Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados nipones, en lo sucesivo conocidos como anime. Autor de historietas prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo el primer éxito con la serie de televisión Astroboy, que definió los rasgos habituales del anime: rasgos faciales de los personajes, animación limitada, narración semejante al cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes y hasta cortometrajes experimentales. Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.
En Europa occidental los logros fueron más puntuales: películas como El submarino amarillo de George Dunning, Allegro non troppo de Bruno Bozzetto o El planeta salvaje de Réne Laloux tuvieron repercusión. En el cortometraje destacaron artistas como Raoul Servais, Jean-François Laguionie o Paul Driessen
El cine de animación en las últimas dos décadas
En las últimas dos décadas, el cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída de los regímenes comunistas de Europa del Este ha hecho que se reduzca enormemente la aportación de estos países, sobre todo las facetas menos comerciales, pero sigue existiendo una enorme variedad en el resto del mundo, y por primera vez la enorme diversidad de los cortometrajes está empezando a hacerse notar, aunque sea con limitaciones, en los largometrajes comerciales.
En Estados Unidos
En Estados Unidos, Disney ha tenido un momento de esplendor a principios de la década de 1990, con algunas de sus más exitosas y mejores películas, sobre todo La bella y la bestia de Trousdale y Wise. Posteriormente ha ido cayendo en la repetición, el seguimiento de las modas y el descrédito crítico. El 2004 puede marcar la fecha en que Disney abandone los dibujos animados. El auge de la infografía ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter (inicialmente una pequeña productora que realizaba cortos infográficos experimentales en los años 1980) a convertirse en la más exitosa productora del mundo, con películas tan bien acogidas como los mejores Disney: Toy Story, Bichos, Monsters Inc., etc.
También se han producido algunas películas aisladas de gran calidad, como El gigante de hierro de Brad Bird, Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick, y las totalmente independientes y artesanales Me casé con un extraño y Mutant aliens de Bill Plympton, un frenético humorista que también es el autor de cortometrajes más conocido del período.
En Japón
El anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. Los largometrajes para cines, después de desaparecer prácticamente durante los años 1970, volvieron con una fuerza creativa y comercial inusitada, principalmente a partir de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira de Katsuhiro Otomo. Se ha producido una explosión en la variedad de los estilos y temáticas que se tratan, con autores tan diferentes como Mamoru Oshii, Satoshi Kon o Isao Takahata, mientras el citado Miyazaki se ha convertido en un director de culto internacional con el prestigio de los grandes directores de imagen real. Un animador independiente que ha logrado reconocimiento en Occidente ha sido Koji Yamamura.
Las diferentes industrias europeas han atravesado situaciones muy diferentes en este período.
En Europa
En Francia han destacado los cortometrajes de la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Las trillizas de Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc.
En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park) y se lanzó a la producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director. Al abrigo de este éxito florecía la animación independiente, donde se puede citar al estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay.
Nuevas generaciones de animadores de los países del Este han mantenido viva su tradición, casi exclusivamente en cortometrajes, entre los que destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt (con su prestigioso largometraje Fimfarum) y el veterano pero aún activo y conocido Jan Svankmajer; el polaco Piotr Dumala; los letones Priit Pärn y Priit Tender y, sobre todo, la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka a la cabeza.
En Hispanoamérica
Argentina
- Manuel García Ferré está considerado como el mayor exponente de todos los tiempos en la animación Argentina. Historietista, publicista y animador de origen español vive en Argentina desde la edad de 17 años. Sus películas están plenamente orientadas para los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Petete y Calculín, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la revista Anteojito. Es el creador de la única productora argentina (la cual lleva su nombre) de animación con continuidad.
- Algunos estudios de animación argentinos: Patagonik Films (fundado en 1997), Estudio Pulpo (fundado en 2009).
- En Argentina el programa de televisión Caloi en su tinta, dedicado exclusivamente al género y presentado por el historietista Carlos Loiseau (conocido como Caloi), se ha mantenido en pantalla durante más de diez años.
- Ejemplos de producciones de animación argentinas (ámbito televisivo y cinematográfico):
- Las aventuras de Hijitus (1967, TV) fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina y la más exitosa de Hispanoamérica.
- Mil intentos y un invento (1972, largometraje)
- Las aventuras de Hijitus (1973, largometraje) fue una recopilación de varios capítulos de la serie televisiva.
- Petete y Trapito (1975, largometraje)
- Calculín (1977, telefilme)
- El libro gordo de Petete (1980, TV)
- Ico, el caballito valiente (1981, largometraje)
- Mi familia es un dibujo (1996-1998, TV) fue una comedia argentina televisada por Telefe
- Dibu: la película (1997, largometraje)
- Dibu 2: la venganza de Nasty (1998, largometraje)
- Manuelita (1999, largometraje)
- Corazón, las alegrías de Pantriste (2000, largometraje)
- Cóndor Crux, la leyenda (2000, largometraje)
- Los Pintin al rescate (2000, largometraje)
- Dibu 3, la gran aventura (argometraje estrenado el 18 de julio de 2002)
- Mercano el marciano (2002, largometraje)
- Patoruzito (2004, largometraje)
- Teo, cazador intergaláctico (2004, largometraje)
- City Hunters (2005, TV)
- Patoruzito: la gran aventura (2006, largometraje)
- El ratón Pérez (2006, largometraje) coproduccion argentino-española
- El arca (2007, largometraje)
- El ratón Pérez 2 (2008, largometraje) coproduccion argentino-española
- Boogie, el aceitoso (2009, largometraje)
- Gaturro 3D (2010, largometraje) una coproduccion mexico-argentina
Colombia
Colombia tiene una historia de la animación que se remonta hasta 1938. Aunque surgió como iniciativas artísticas aisladas, el trabajo de Fernando Laverde quien realizó los largometrajes La pobre viejecita, Cristóbal Colón y Martín Fierro, así como la obra de animación experimental del artista Carlos Santa El pasajero de la noche, abrieron el terreno para los creadores interesados en este arte. Es también reconocida la labor de Nelson Ramírez cuya empresa encabezó la producción de comerciales publicitarios entre los años 1970 y comienzos de los años 1990. La primera serie animada semanal de Hispanoamérica fue creada en Colombia. El siguiente programa, obra de culto creada por la empresa Conexión Creativa, abrió las puertas a otro tipo de producción más irreverente y conectada con la audiencia joven. El surgimiento del Festival LOOP en el año 2003, pionero en Latinoamérica de habla hispana, afianzó y catapultó una nueva historia con autores como María Arteaga (Corte eléctrico), Diego Álvarez (Cabeza de mono) y Andrés Barrientos (La escalera), entre muchos otros. El apoyo gubernamental ha sido base del crecimiento actual, ratificado por la selección en Festival de Cine de Venecia del largometraje animado Pequeñas voces de Oscar Andrade y Jairo Carrillo, en 2010.
Cuba
En 1960 fueron creados en Cuba los Estudios de Animación del ICAIC, institución que hasta la fecha ha creado innumerables series, cortometrajes y largometrajes. Entre ellos el laureado Vampiros en La Habana, del director Juan Padrón.
México
La animación mexicana, en sus comienzos, se intento con varias producciones que en su mayoría fueron cortometrajes realizados por personas que tenían la inquietud y el deseo de involucrarse en ese ámbito artístico poco explotado en el país.
Cabe mencionar los trabajos de Alfonso Vergara Andrade y algunas de sus obras como “Paco Perico en premier” de 1935 y “Los cinco cabritos y el lobo” de 1937 cortometrajes realizados en ava films, estudio que el mismo fundó.
En la década de 1970 y principios de los años 1980 se produjeron una serie de largometrajes representativos del cine de animación mexicano:
- Los tres reyes magos (1974)
- Los supersabios (1977)
- Roy del espacio (1983)
- Katy la oruga (1984), una coproduccion mexico-española.
- Las aventuras de Oliver Twist (1987), adaptación animada de la novela de Charles Dickens hecha por Fernando Ruiz.
Aunque se olvidó un poco la producción de largometrajes de animación en los años posteriores, limitándose la animación casi por completo a los cortometrajes, comerciales y publicidad, en años recientes se ha intensificado su producción.[cita requerida]
Algunas de las películas animadas mexicanas contemporáneas son las siguientes:
- Magos y gigantes
- Imaginum
- Una película de huevos
- La leyenda de la nahuala
- El agente 00P2
- Otra película de huevos y un pollo
- Campeones de la lucha libre
- Nikté
- AAA sin límite en el tiempo
- Brijes
- Sabel redención
- Héroes verdaderos
- Don Gato y su pandilla (2011, pelicula hecha por ánima estudios)
- La Revolución de Juan Escopeta
- La Leyenda de la llorona
- El gran milagro (filme 3d hecha por Imágica)
Entre las compañías de animación mexicanas por destacar están: Ánima Estudios, Animex Producciones, Huevocartoon Producciones, Santo domingo animation.
En el 2004 se funda en México los estudios ANIMAAP.[2] Han realizado el primer video clip totalmente en 3D (189 segundos).
Perú
Perú ha sido el primer país de Hispanoamérica en realizar un largometraje animado en 3D. En 2003 fue creado en Perú el estudio Alpamayo Entertainment, especializado en animación en 3D. Estas son algunas de las películas de Alpamayo Entertainment: Piratas en el Callao (2005), Dragones, destino de fuego (2006), Valentino y el clan del can (2008) y El diente de la princesa (2010).
Festivales de animación
Los festivales de animación acogen tanto largometrajes comerciales como cortometrajes de todos los tipos, y son el principal medio de difusión para los mismos.
Festivales internacionales
Festivales de España
Festivales en Hispanoamérica
- ANIMA - Festival Internacional de Animación de Córdoba, Córdoba, Argentina
- LOOP - Festival Hispanoamericano de Animación & Videojuegos, en Colombia
- Creanimax, En Guadalajara, Jalisco, México
- Tecnotoon Animation Fest, En Ciudad de México, Distrito Federal
- Animación a la Carta, en Caracas , Venezuela
- ANIMEC,Festival de Animación, en Quito , Ecuador
Véase también
Referencias
- ↑ [http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/radar/9-404-2002-09-29.html. Cine argentino de animación
Fantasías animadas
Aunque tiene cerca de 85 años, la historia del cartoon criollo es más rica en pérdidas y descuidos que en películas. El primer espécimen del género fue un corto que satirizaba la figura de Hipólito Yrigoyen; el último, que se estrena el jueves próximo, es Mercano el marciano, de Juan Antín, un milagro técnico y creativo que acaso abra nuevos horizontes para esta disciplina maltratada. Mariano Kairuz analiza el film de Antín a la luz del accidentado linaje de la animación local. Nota en el periódico argentino Página/12 del 29/09/2002] - ↑ ANIMAAP, sitio web oficial
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