Figuralismo

El figuralismo fue una técnica de composición musical aplicada a la música vocal, que estuvo activa entre los siglos XVI y XVIII, en consonancia con los presupuestos estéticos del Renacimiento y del Barroco, y que consistía en subordinar la música al texto creando para la música una serie de figuras de todo tipo (melódicas, rítmicas, polifónicas, de textura, etc.) consistentes en subrayar musicalmente, con el sonido, el sentido profundo del texto. En inglés, esta técnica recibe la gráfica denomicación de word paiting, que literalmente quiere decir "pintar [musicalmente] las palabras". Así, por ejemplo las melodías ascendentes acompañan a textos que hablan de subir o ir hacia arriba, mientras que una música grave y oscura acompaña a un texto sobre la muerte.

Edad media

Esta técnica se remonta, como mínimo, tan atrás en el tiempo como el canto gregoriano en el que se encuentran patrones melódicos cortos que expresan ideas emotivas y significados teológicos. Así, por ejemplo, el patrón fa-mi-sol-la expresa la humillación y muerte de Cristo mediante un movimiento descendente, mientras que el sol es la nota de la resurrección y el la, aún más arriba, indica la ascensión. Así, por ejemplo cuando esta secuencia melódica se encuentra sobre el texto te libera (por ejemplo en el Introito del domingo de sexagésimo, indica que Cristo libera a la humanidad del pecado a través de su muerte y su resurrección.

Renacimiento

El madrigal

Los compositores también experimentaron con el figuralismo en el madrigal, sobre todo en el italiano, aunque también se utilizó esta técnica en los demás países donde se compuso bajo su influencia. Lo hicieron hasta tal punto y esta técnica fue tan esencial al propio madrigal que las figuras más habituales en este género del Renacimiento se denominaron madrigalismos. En este grupo de compositores se pueden observar diversas técnicas, todas emparentadas pero no del todo coincidentes. Algunos ejemplos serían:

• Subir, el cielo o una montaña se representan con melodías ascendentes y/o en el registro agudo. Por el contrario bajar, el suelo, el infierno y la llanura se ilustran con melodías graves, descendientes, o sin curvas melódicas.
• El río y el vuelo de los pájaros mediante melismas largos sobre una misma sílaba.
• La alegría con notas rápidas, mayoritariamente agudas y la tristeza con recursos opuestos.
• En general la tristeza recibe un tratamiento a base de melodías cromáticas.

Fragmento melódico inicial del madrigal Solo e pensoso de Luca Marenzio.
"Solo y pensativo, los campos más desiertos voy midiendo a pasos tardíos y lentos". Los cromatismos que llenan toda la frase le confieren el carácter triste.
Inicio del madrigal "Solo e pensoso" de Luca Marenzio ▶^?/i

• La música se detiene sobre textos que hablan de acciones como cantar, hablar o bailar, ya sea repitiendo las palabras que hacen referencia, ya sea alargando cada sílaba con más notas.
• Otros efectos de la voz humana como un susto o un suspiro se representa con una aspiración profunda en tiempo fuerte y posterior entrada a contratiempo; la risa mediante sucesivas notas sobre una misma sílaba que muy probablemente deberían interpretarse staccato...

Fragmento inicial del madrigal "Piagne sospira" de Claudio Monteverdi donde se ejemplifica el figuralisme más habitual sobre la palabra sospira (suspira).

• La referencia a una cantidad elevada (mil, por ejemplo) se dibuja en música repitiendo una misma figura y un mismo texto ya sea en una misma voz, ya sea -más habitualmente- en imitación polifónica.
• Las acciones de perseguir, cazar, perseguir, seguir, imitar... con frecuencia son tratadas con un canon o bien con contrapunto imitativo.
• Por el contrario, ideas del texto como unidad o unificación muy a menudo se corresponden con un unísono.
• No obstante, el unísono también puede expresar lo que es delgado, mientras que una textura polifónica homofónica se asocia a algo grueso o ancho.
• La palabra pleno o plena suele estar lleno de notas mediante un melisma o la repetición de la palabra.
• El día puede tener un tratamiento musical con notas más vivas y rápidas que la noche sobre todo si, como es habitual, se sitúan uno inmediatamente detrás del otro, explotando el juego de la oposición. Pero en otros casos es exactamente lo contrario: el día se ilustra con notas largas, que dan una sensación de inmovilidad, mientras que la noche recibe notas rápidas. Lejos de ser un contrasentido, esto es un tratamiento musical del texto que no busca un efecto sonoro sino visual: las notas largas se correspondían (y se siguen correspondiendo en el actual sistema de escritura) con notas blancas (apropiadas para la luz del día), mientras que las notas cortas eran y son negras, como la noche. Este hecho testimonia que el compositor pensaba estos efectos para alguien que no sólo sentiría o escucharía la música, sino que también vería y leería la partitura. De hecho, las normas de la educación de la nobleza establecían que la educación del noble incluía la educación musical necesaria para saber cantar un madrigal.

Lamento de Arianna de Monteverdi. El único fragmento que queda de esta ópera se inicia con Lasciate mí morire, con abundantes figuralismes

Lasciatemi morire E che volete voi Che mí conforte In così dura sorte In così gran Martire? Lasciatemi morire

Dejadme morir (melodía descendente en morire) ¿Y qué queréis vosotros Que me reconforte (melodía ascendente en conforte) En esta suerte tan dura En este martirio tan grande? (nota larga y aguda en gran) Dejadme morir

	Lamento d'Arianna (10.4 Mb)
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Barroco

El Barroco mantuvo una parte muy importante de los figuralismos utilizados en el Renacimiento. Uno de los ejemplos más bellos y a la vez más conocidos pertenece a El Mesías de Haendel, en concreto al aria de tenor, cuyo texto dice "Every valley shall be exalted, and every mountain and hill made low; the crooked straight, and the rough places plain". (Todo valle será elevado, toda montaña y colina bajará, el terreno escarpado se volverá plano, y el escarpado una llanura; Isaías, 40-4).

En la melodía de Haendel, la palabra "valle" se corresponde con una nota grave, "exalted" es una melodía ascendente, "mountain" forma un pico melódico, y "hill" (cerro ) es un pico más bajo, mientras que low es una nota grave. "Crooked" (escarpado) se canta con una figura rápida de cuatro notas, mientras que "straight" se canta sobre una sola nota, inmóvil, finalmente, "the rough places" se canta con notas cortas y separadas, pero "plain" (plan) se alarga a través de varios compases en una serie de notas largas, como llanuras. Esto se puede ver en la siguiente partitura:

Aria de El Mesías de Haendel.

Los cromatismos descendentes que ya existían en el madrigal como expresión de tristeza y de muerte en el Barroco se codifican aún más como expresión de la muerte. Como tales aparecen en muchas obras del Barroco de entre las que destacan dos por su popularidad.

• La primera se encuentra en el bajo ostinato del Crucifixus del Credo de la Misa en Si menor de Johann Sebastian Bach, presenta esta figura para el momento de la muerte de Cristo, combinada con la figura del passus (notas repetidas sobre un ritmo monótono, expresando los pasos del caminar) para representar precisamente esta palabra.
• La segunda es el bajo ostinato del Lamento de la reina Dido, al final de la ópera Dido y Eneas de Henry Purcell, titulado When I am laid, donde la reina se suicida al saber de la muerte de Eneas.

Algunas de estas figuras viajaron grandes distancias, según afirma Bonastre, que encuentra antecedentes de la figura inicial del primer coro Kommt ihr Töchter de la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach en compositores catalanes y valencianos del siglo XVII. Por otro lado, Ruben López también las encuentra en los tonos humanos -como cantatas profanas de compositores españoles del siglo XVII.

Sobresale Johann Sebastian Bach por el uso que hizo altamente simbólico y bastante más alejado de los meros efectos sonoros, de esta técnica que le sirvió a menudo de fuente de inspiración. Son conocidas, por ejemplo, sus maneras de representar la cruz (símbolo central de la Pasión que en alemán se llama igual que el elemento musical sostenido (Kreuz). Los modos de representarla podían ser bien utilizando estas alteraciones, o bien "dibujando" una especie de cruz sobre la partitura mediante una única línea melódica (línea horizontal) que queda segmentada por un gran acorde en tutti que aparece como una línea vertical.

Más allá del uso de figuras aisladas para la descripción o reforzamiento de ideas precisas y concretas contenidas en el texto, la retórica brindó a la música una gran cantidad de recursos para la organización temporal del discurso que, sobre todo fueron de gran importancia en el Barroco, y que llevaron a la posterior codificación de las principales formas musicales en el Clasicismo. Muestra de ello es la forma sonata con su desarrollo y su reexposición.

Algunos de los teóricos que sistematizaron esta técnica fueron Nicolaus Listenius (Rudimentos Musicae in gratiam studiosae iuventutis diligentes comportata, 1533), Heinrich Faber (Musica poética, 1548), Joachim Burmeister, (Música poética, 1606), Johann Andreas Herbst (Musica poética, 1643) y Johann Jakob Walther (1708).

Música popular urbana

Aunque probablemente esta técnica no se ha utilizado tanto en la música popular urbana, también se pueden sugerir algunos ejemplos:

• Garth Brooks - "Friends in low places": cuando canta Got friends in low places (Tengo amigos en lugares bajos) suenan notas graves.
• Tal Bachman - "She's so high": cuando canta She's so high (Ella está muy arriba) suenan notas agudas.
• Sting - "A Thousand years": repetición de la misma figura que contiene un intervalo de segunda. Como contraste, la frase I still love you (Todavía te quiero) es más aguda (alegría) y en valores mucho más largos (alargándose el sentimiento de amor).
• Joe Cocker - "Up where we belong": en el coro inicial de la canción la melodía es ascendente mientras canta Love lift us up where we belong (El amor nos eleva allá adonde pertenecemos).
• Jewel -"Am I standing still": toda la frase cantada sobre la misma nota, la propia melodía está "quieta".
• Justin Timberlake - "What goes around" canta el texto:

What goes around, goes around, goes around

Comes all the way back around

La música que corresponde baja una octava y luego vuelve a la octava inicial.

Referencias bibliográficas

• Bonastre, Francisco (1993): Antecedentes hispánicos del tema 'Kommt, ihr Töchter ...". En: Revista de Musicología, XVI, Nº1. Pp. 59-83.
• Bond, Mark, E. (19911). Wordless Rhetorica: Musical Form and the Metaphor of the orationis (Studies in the history of music).
• Carter, Tim. Word-painting. Grove Music Online. Oxford Music Online. 7 Feb. 2009 <http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/30568>.
• Greenberg, Robert. How to Listen to and Understand Great Music, Parte 1, Disco 6, San Francisco Conservatory of Music.
• López, Rubén. Los tonos humanos como semióticas sincréticas [1]
• Morin, M. Clemente Morin; FOWELLS, Robin M. (1993): "Gregorian Musical Words", inChoral essays: A Tribute to Roger Wagner, edited by Williams Wells Belan, San Carlos (CA): Thomas House Publications.
• Roche, Jerome (1972). The Madrigal. New York: Charles Scribner's Sons.

Enlaces externos

• Wordpainting

Véase también

• Musica reservata
• Mickey Mousing