Barton Fink
Título	Barton Fink
John Turturro, protagonista de Barton Fink.
Ficha técnica
Dirección	Joel e Ethan Coen
Dirección artística	Robert C. Goldstein Leslie McDonald
Producción	Ethan Coen Joel Coen (no acreditado)
Guión	Joel Coen Ethan Coen
Música	Carter Burwell
Fotografía	Roger Deakins
Montaje	Ethan y Joel Coen (como Roderick Jaynes)
Escenografía	Nancy Haigh Richard Hornung
Vestuario	Richard Hornung
Reparto	John Turturro John Goodman Judy Davis Michael Lerner John Mahoney Tony Shalhoub Jon Polito Steve Buscemi
Datos y cifras
País(es)	Estados Unidos
Año	1991
Género	Drama/Comedia
Duración	116 minutos
Clasificación	EE. UU.: -17 (R) Reino Unido: -15 España: -13
Idioma(s)	Inglés
Compañías
Productora	Circle Films Working Title Films
Distribución	20th Century Fox Rank Film Organization
Presupuesto	US$9.000.000
Recaudación	US$6.153.939 (en EE. UU.)
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity

Barton Fink es una película estadounidense estrenada en 1991, realizada de forma independiente y distribuida por 20th Century Fox. Fue escrita y dirigida por Joel e Ethan Coen, protagonizada por John Turturro, junto a John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito y Steve Buscemi. Está ambientada en Los Angeles en 1941, y muestra el trabajo de un joven e intelectual escritor neoyorquino llamado Barton Fink, tratando de terminar un guión para una película de Hollywood, mientras sufre un bloqueo que le impide desarrollar sus ideas. Los Coen escribieron el guión durante tres semanas mientras tenían dificultades con la escritura de otra película, Miller's Crossing. Poco después de que Miller's Crossing fuese terminada, los Coen comenzarían a rodar Barton Fink, y sería estrenada en EE. UU. el 21 de agosto de 1991. Antes fue proyectada en mayo en el Festival Internacional de Cine de Cannes donde ganó el premio Palma de Oro por decisión unánime, como también los premios a Mejor director y Mejor actor (Turturro). Es la única película en la historia del festival en ganar los tres premios juntos.^[1] El papel de Michael Lerner como Jack Lipnick, el egocéntrico productor de cine, fue elogiado por la crítica y le hizo recibir una nominación para los Premios Óscar como Mejor actor de reparto.^[2] Aunque fue elogiada casi universalmente por los críticos, la película solo recaudó seis millones de dólares, dos tercios de su estimado presupuesto.^[3]

Por sus diversos elementos, ha sido difícil clasificar a Barton Fink dentro de un género. En ocasiones ha sido catalogada como cine negro, cine de terror y "buddy film".^{[4] [5]} La abandonada y surreal atmósfera del "Hotel Earle" fue central para el desarrollo de la historia, su diseño fue muy cuidadoso. La sala de estar de Barton contrasta con los brillosos e inmaculados alrededores de Hollywood, especialmente el casa de su jefe Jack Lipnick.^[6] Una simple imagen en la pared captura la atención de Barton, y la imagen se repite al final de la película. Aunque la imagen y otros elementos (incluyendo la misteriosa caja) aparecen cargados de simbolismo, los críticos no se ponen de acuerdo con los posibles significados. Los Coen han admitido algunos elementos simbólicos intencionales, mientras que negaron un intento de comunicar cualquier mensaje holístico.^[7]

La película contiene alusiones a varias personas y eventos de la vida real, más notablemente a los escritores Clifford Odets y William Faulkner. Los personajes de Barton Fink y W.P. Mayhew son, en gran medida, representaciones ficticias de estos hombres, pero los Coen acentuaron importantes diferencias.^{[8] [9]} También han admitido haber parodiado a magnates del cine como Louis B. Mayer, pero también que los agonizantes momentos en Hollywood no tienen la intención de reflejar sus propias experiencias.^[10] Barton Fink fue influenciada por varias películas clásicas, en las que se incluyen trabajos de Roman Polanski, particularmente Repulsion (1965) y The Tenant (1976).^[11] Otras que también sirvieron de influencia son El resplandor de Stanley Kubrick, y Sullivan's Travels del realizador Preston Sturges.^[12] La película de los Coen también contiene alusiones literarias, por trabajos de William Shakespeare, John Keats y Flannery O'Connor.^{[13] [14] [15]}

El proceso de escritura y la cultura del entretenimiento son dos temas prominentes de Barton Fink. El mundo de Hollywood es contrastado con el de Broadway, y la película analiza superficiales distinciones entre la alta cultura y la cultura popular.^{[16] [17]} Otras temáticas de la cinta incluyen fascismo y la Segunda Guerra Mundial; esclavitud y condiciones de trabajo en industrias creativas; y como los intelectuales se relacionan con "el hombre común".^{[17] [18] [19]} Varios matices religiosos aparecen, referencias al Libro de Daniel en el Viejo testamento, Nabucodonosor II y Bathsheba.^{[20] [21]}

Sinopsis

John Turturro aprendió mecanografía al tacto para su papel como Barton Fink, pero como el personaje sufre de bloqueo mental, las habilidades no fueron muy utilizadas.^[22]

En el año 1941, un guionista intelectual llamado Barton Fink (John Turturro), acaba de tener éxito en Nueva York con su última obra. Es contratado por un productor de Hollywood (Michael Lerner) con el objetivo de escribir un guión para un película clase B de Wallace Beery acerca de la lucha libre, una temática totalmente desconocida para Barton. Al llegar a Los Angeles se aloja en el solitario y oscuro "Hotel Earle", donde a medida que transcurren los días, sufre cada vez más una crisis que le dificulta pensar con claridad y desarrollar toda su creatividad. A pesar de que Charlie (John Goodman), su vecino, una persona común, trata de ayudarlo, Fink sigue bloqueado y entorpecido por su mala suerte y algunos eventos que le impiden cada vez más terminar el guión y lograr su objetivo.

Antecedentes y escritura

En 1989 los realizadores Joel e Ethan Coen comenzaron a escribir el guión para una película que luego sería lanzada como Miller's Crossing. La cantidad de hilos de la historia la hicieron complicada, y después de cuatro meses se encontraban perdidos en medio del proceso.^[23] Aunque biógrafos y críticos luego se refirieron a eso como "bloqueo de escritor", los Coen rechazaron esta definición.^[24] "Bloqueo no fue realmente lo que estábamos sufriendo", dijo Joel en una entrevista en 1991, "pero la velocidad de nuestro trabajo había bajado, y estábamos ansiosos por distanciarnos de cierta forma de Miller's Crossing".^[25] Se trasladaron desde Los Angeles hasta Nueva York y comenzaron a trabajar en un proyecto diferente.^[26]

Los hermanos Coen dijeron acerca de la escritura de Barton Fink: "En realidad, no hicimos ninguna investigación en absoluto".^[27]

En tres semanas, los Coen escribieron un guión con un personaje que llevaba el nombre del título escrito específicamente para el actor John Turturro, con quien ya habían estado trabajando en Miller's Crossing. La nueva película, Barton Fink, estaba ambientada en un grande y semi-abandonado hotel.^[25] Este lugar, el cual ellos llamaron el "Hotel Earle", fue la energía detrás de la historia y la atmósfera del nuevo proyecto. Mientras rodaban la película Blood Simple (1985) en Austin, Texas, los Coen habían visto un hotel que les había causado una importante impresión: "Pensamos 'Vaya, Motel Hell', tu sabes, siendo condenados a vivir en el hotel más extraño del mundo".^[28]

El proceso de escritura de Barton Fink fue suave, dijeron, sugiriendo que el alivio de estar lejos de Miller's Crossing podría haber sido un catalizador. Además se sintieron satisfechos con la forma de la historia en general, lo que les ayudó a moverse rapidamente a través de la composición. "Algunas películas vienen en su totalidad a la cabeza de uno; nosotros eructamos, o algo así, a Barton Fink".^[29] Mientras escribían, los Coen crearon el segundo papel principal con otro actor en mente: John Goodman, quien había aparecido en la comedia Raising Arizona (1987). Su nuevo personaje, Charlie, fue el vecino de al lado de Barton en el cavernoso hotel.^[30] Incluso antes de escribirla, los Coen sabían como terminaría la historia, y escribieron el monólogo final de Charlie al comienzo del proceso de escritura.^[31]

El guión cumplió con su propósito de distracción, y los Coen lo pusieron a un lado: "Barton Fink de alguna forma nos lavó el cerebro y fuimos capaces de volver para terminar Miller's Crossing".^[32] Un vez que la producción de la primera película fue finalizada, los Coen comenzaron a reclutar el equipo para rodar Barton Fink. Turturro tenía muchas ganas tener el papel principal, y pasó un mes con los Coen en Los Angeles para intercambiar puntos de vista acerca del proyecto: "Sentí que podría darle a Barton algo más humano. Joel e Ethan me permitieron cierta contribución. Traté de ir un poco más lejos de lo que ellos esperaban", dijo el actor.^[33]

Producción

A medida que diseñaban detallados storyboards para Barton Fink, los Coen comenzaban a buscar un nuevo director de fotografía, ya que su asociado Barry Sonnefeld (quien había trabajado para sus primeras tres películas) se encontraba ocupado trabajando para su debut como director, The Addams Family. Los Coen estaban impresionados con el trabajo del inglés Roger Deakins, particularmente por las escenas interiores de Lunes tormentoso (1988). Después de observar otras de las películas en las que había trabajado (como Sid and Nancy y Pascali's Island), le mandaron el guión a Deakins y lo invitaron a unirse al proyecto. Su agente le aconsejó no trabajar con los Coen, pero Deakins se reunió con ellos en una cafetería en Notting Hill y pronto comenzarían a trabajar juntos en Barton Fink.^[34]

Las escenas del restaurante en Nueva York al comienzo de Barton Fink fueron rodadas en el interior del RMS Queen Mary.^[35]

El rodaje comenzó en junio de 1990 y duró ocho semanas (un tercio menos de tiempo que el que se requirió para Miller's Crossing), y el presupuesto final estimado para la película fue de US$9 millones.^[36] Los Coen trabajaron cómodamente con Deakins, y fácilmente le transmitieron sus ideas en cada una de las escenas. "Hubo solo un momento en el que lo sorprendimos", dijo Joel Coen. Una escenas extendida necesitó un travelling fuera del baño. "La filmación fue muy divertida y pasamos un gran momento trabajando".^[37]

Tres semanas de rodaje fueron dedicadas en el Hotel Earle, un set creado por el director de arte Dennis Gassner. El clímax de la película requería una gran extensión de fuego en el pasillo del hotel, originalmente los Coen planeaban agregarlo digitalmente en postproducción. Sin embargo, cuando decidieron usar llamas reales el equipo construyó un gran set de rodaje alternativo en un hangar de portaaviones abandonado en Long Beach. Una serie de llamas de mechero de gas fueron instaladas detrás del pasillo, y el papel tapiz fue perforado para una más fácil penetración. Tan pronto como Goodman corría por el pasillo, un hombre en una plataforma elevada abría cada mechero, dando la impresión de una carrera entre le fuego y Charlie. Cada toma requirió una reconstrucción del aparato, y un segundo pasillo (sin el fuego) preparado para filmar pequeñas escenas complementarias entre cada toma.^[36] La escena final fue filmada cerca de Zuma Beach, donde se filmó la ola estrellándose contra las rocas.^[35]

Los Coen, como de costumbre, realizaron el montaje de la película. "Preferimos echarle mano nosotros", Joel explicó en 1996, "antes que sentarnos al lado de alguien y decirle que cortar".^[38] Por reglas de producción de películas, tuvieron que usar un seudónimo; "Roderick Jaynes" está acreditado como montador en Barton Fink.^[39] Solo algunas escenas filmadas fueron eliminadas de la versión que sería la definitiva (final cut), incluida una que muestra la transición de Barton desde Nueva York a Hollywood (en la película, esto es mostrado enigmáticamente con una ola rompiéndose contra una roca). Varias escenas acerca del trabajo en estudios de Hollywood también fueron rodadas, pero serían descartadas porque eran "muy convencionales".^[40]

Set de rodaje

La espeluznante e inexplicable sensación de vacío del Hotel Earle fue fundamental para la concepción de la película. "Queríamos un estilismo artístico", explicó Joel en 1991, "y un sitio que estuviese en decadencia después de haber tenido mejores épocas".^[41] La habitación de Barton está escasamente amueblada con dos grandes ventanas que desembocan hacia otro edificio. Los Coen describieron el hotel como un "barco fantasma flotando a la deriva, donde notas signos de presencia de otros pasajeros, sin divisar a ninguno". En la película, los zapatos de los residentes son un indicio de esta invisible presencia; otro raro signo de otros habitantes es el sonido de las habitaciones adyacentes.^[42] Joel dijo: "Puedes imaginarlo lleno de viajeros comerciantes fracasados, con vidas sexualmente patéticas, que lloran solos en sus habitaciones".^[41] Calor y humedad son otros elementos importantes del set de filmación. El papel tapiz de la pared de la habitación de Barton se despega y se cae; Charlie experimenta el mismo problema, y supone que la causa es el calor. Los Coen utilizaron libremente colores verdes y amarillos para diseñar el hotel "para sugerir un aura de putrefacción".^[41]

La atmósfera del hotel fue hecha para conectarse con el personaje de Charlie. Como Joel explicó: "Nuestra intención, además, fue que el hotel funcionara como una exteriorización del personaje interpretado por John Goodman. Las gotas de sudor caen de su frente como el papel tapiz cae de las paredes. Al final, cuando Goodman dice que es un prisionero de su propio estado metal, que esto es como algún tipo de infierno, fue necesario para el hotel para ya sugerir algo infernal".^[41] El papel tapiz que se despega y el pegamento que hay entre él y la pared, es también un reflejo de la infección crónica de la oreja de Charlie y el resultante pus.^[43]

Cuando Barton llega por primera vez al Hotel Earle, el amigable botones Chat (Steve Buscemi) le pregunta si es "trans o res" (transitorio o residente). Barton le contesta que no está seguro, pero que se va quedar "indefinidamente".^[44] La dicotomía entre habitantes permanentes y transitorios reaparece varias veces, notablemente en el lema del hotel: "Un día o una vida", que Barton nota en el escritorio de su habitación. Ésta idea regresa al final de la película, cuando Charlie describe a Barton como "un turista con una máquina de escribir". Su habilidad para dejar el hotel (mientras Charlie permanece) es presentado por el crítico Erica Rowell como una evidencia de que la historia de Barton representa el mismo proceso de escritura. Barton, dice ella, representa a un autor que es capaz de abandonar una historia, mientras personajes como Charlie no pueden.^[43]

Los Coen eligieron ambientar Barton Fink al momento de los Ataques a Pearl Harbor para indicar que "el mundo fuera del hotel se encontraba en vísperas del apocalipsis".^[45]

En contraste, las oficinas de Capitol Pictures y la casa de Lipnick están inmaculadas, son magníficamente decoradas y extremadamente cómodas. Las habitaciones de la compañía llenas de luz del sol, y la oficina de Ben Geisler está ubicada frente a una exuberante selección de flora. Barton conoce a Lipnick al lado de una enorme e impecable piscina. Esto hace notar su posición como jefe del estudio, él explica: "...no siempre puedes ser honesto, no con los tiburones nadando alrededor de esta ciudad... Si yo hubiese sido totalmente honesto, no estaría ni a una milla de esta piscina, a menos que la limpiara".^[46] En su oficina, Lipnick exhibe otros trofeos en su poder: estatuas de Atlas, el Titán de la mitología griega que le declaró la guerra a los dioses del monte del Olimpo y fue severamente castigado.^[47]

Originalmente, el momento histórico justo antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial fue para que haya un impacto significante en el sitio. Como los Coen explicaron: "Estuvimos pensando en un hotel donde los inquilonos fuesen viejos, dementes y físicamente disminuidos, porque el resto estarían en la guerra. Cuanto más estuviese desarrollado el guión, más olvidado sería este tema, pero nos permitió, al principio, establecernos en este periodo".^[48] Las conecciones con la Segunda Guerra Mundial no es hecha explicita esta el final de la película, cuando Lipnick aparece usando un uniforma de coronel. Aunque está usando un disfraz y, de hecho, no ha entrado al ejercito, se declara listo para luchar contra los "pequeños bastardos amarillos".^[49] En una escena previa, Barton observa otras películas sobre lucha libre producidas por Capitol Pictures; la fecha de la claqueta es 9 de diciembre, dos días después de los Ataques a Pearl Harbor. Cuando celebra haber finalizado el guión en la fiesta militar, es rodeado por soldados que supuestamente están luchando en la guerra.^[50]

La foto

La foto de una mujer en la playa en la habitación de Barton es un elemento central que capta la atención tanto del personaje como de la cámara. Él la examina frecuentemente mientras está en el escritorio, y después de encontrar el cadáver de Audrey se para frente a ella. La imagen se repite al final de la película, cuando Barton conoce una mujer idéntica, en una playa idéntica, en una idéntica postura. Después de elogiarla por su belleza, le pregunta: "¿Apareces en películas?", ella le contesta: "No seas tonto".^[51]

Temprano durante el proceso de escritura, los Coen decidieron incluir la foto como un elemento clave en la habitación. "Nuestra intención", Joel explicó, "fue que la habitación tuviese muy poca decoración, que las paredes estuviesen descubiertas y que las ventanas no ofrecieran vista a nada interesante. De hecho, queríamos que la única salida al mundo exterior fuese esta foto. Nos pareció importante crear una sensación de aislamiento".^[52]

Más tarde en la película, Barton enmarca una pequeña foto de Charlie, vestido con un fino traje y cargando un maletín. La yuxtaposición de su vecino usando un uniforme de vendedor de seguros y la escapista imagen de una mujer en la playa conduce a Barton a una confusión entre realidad y fantasía. El crítico Muchael Dunne indica: "El público solo puede preguntarse cuan 'real' es Charlie. En el último plano de la película... el público deben preguntarse cuan 'real' es la mujer. La pregunta conduce a otras: ¿Cuan real es Fink? ¿Lipnick? ¿Audrey? ¿Mayhew? Bueno, ¿Cuan real son las películas?".^[53]

El significado de la foto ha sido objeto de grandes especulaciones.^[54] En su libro de análisis de los hermanos Coen, Rowell sugiere que la fijación de Barton en la foto es irónica, considerando el status de baja cultura o "cultura popular" de la foto y sus propias pretensiones hacia la alta cultura (a pesar de que habla de lo contrario). Más tarde nota que la cámara se centra en el propio Barton tanto como en la foto mientras él la mira fijamente. En un punto, la cámara se mueve para abarcar todo el encuadre con la mujer en la playa. Esta tensión entre puntos de vista subjetivos y objetivos aparece nuevamente al final de la película, cuando Barton se encuentra a él mismo (en un sentido) dentro de la foto".^[55]

El crítico M. Keith Booker llama a la escena final un "enigmático comentario en representación y relación entre arte y realidad". Él sugiere que las imágenes idénticas apuntan a lo absurdo del arte que refleja la vida directamente. La película transpone la mujer directamente desde el arte hacia la realidad, provocando confusión en el espectador; Booker afirma que tal representación por lo tanto conduce lo inevitable hacia la incertidumbre.^[56]

Género

Los Coen son conocidos por hacer películas de difícil clasificación. Aunque se refieren a su primer película, Blood Simple, como un ejemplo relativamente sencillo de novela negra, los Coen escribieron su próximo guión, Raising Arizona, sin intentar encasillarlo dentro de un género en particular. Decidieron escribir una comedia, pero intencionalmente agregaron elementos oscuros para producir lo que Ethan llama "un muy salvaje film".^[57] Su tercer película, Miller's Crossing, invirtió este orden, mezclando partes de comedia dentro de una película de gángsters. Todavía eso también trastorna la identidad del único género, usando convencionalismos del melodrama, novelas románticas y sátiras políticas.^[58]

Esta tendencia de mezclar tipos de películas continuó y se intensificó con Barton Fink; los Coen insisten que la película "no pertenece a ningún género".^[59] Ethan la ha descrito como "Una buddy movie para los '90".^[5] Contiene elementos de la comedia, cine negro y cine de terror, pero otras categorías también están presentes.^[60] El actor John Turturro se refirió a ella como una historia psicológica y de maduración,^[5] mientras el profesor de literatura y analista de cine R. Barton Palmer la llama una Künstlerroman, resaltando la importancia de la evolución del personaje principal como escritor.^[61] El crítico Donald Lyons describe la película como "una visión retro-surrealista".^[62]

Por su cruce de géneros, experiencias de sus personajes y resistencia a una sencilla resolución narrativa, Barton Fink es a menudo considerada un ejemplo de cine posmodernista. En su libro Postmodern Hollywood (Hollywood posmoderno), Booker dice que la película presenta el pasado con una técnica impresionista, no una precisa exactitud. Ésta técnica, según él, es "típica de una película posmoderna, la cual observa el pasado no como la prehistoria del presente sino que como un depósito de imágenes a ser allanado por el material".^[63] En su análisis de las películas de los Coen, Palmer llama a Barton Fink como un "pastiche posmoderno" que examina muy de cerca como épocas pasadas se han auto representado. Él lo compara con Las horas (2002), una película acerca de Virginia Woolf y dos mujeres que leen su libro. Afirma que ambas películas, lejos de rechazar la importancia del pasado, aportan a nuestra comprensión de él. Él cita a la teorizadora literaria Linda Hutcheon: La clase de posmodernismo expuesto en estas películas "no niegan la existencia del pasado; cuestionan si nosotros en algún momento podemos conocer ese otro pasado que el que es textualizado".^[64]

Ciertos elementos en Barton Fink resaltan la apariencia del posmodernismo: el escritor es incapaz de resolver su posmodernista concentración en la elevada cultura con el deseo del estudio de crear rentables películas recurriendo a fórmulas; la resultante colisión produce una fracturada y arqueada historia emblemática del posmodernismo.^[65] El estilo cinematográfico de los Coen es otro ejemplo; cuando Barton y Audrey comienzan a hacer el amor, la cámara comienza a enfocar hacia el baño, luego se mueve hasta undirse en el desagüe. Rowell llama a esto una "actualización posmoderna" de la notoria imagen sexual sugestiva de un tren entrando a un túnel, usada por el director Alfred Hitchcock en su película North by Northwest de 1959.^[66]

Estilo

La influencia del realizador Alfred Hitchcock se hace presente varias veces en la película. En una escena, los lentes de Barton reflejan una escena de lucha libre; esto hace eco a un plano de Notorious (1946) de Hitchcock.^[67]

Barton Fink usa varios convencionalismos estilísticos para acentuar la atmósfera de la historia y dar énfasis visual a temas particulares. Por ejemplo, los créditos del inicio aparecen sobre el papel tapiz del Hotel Earle, mientras la cámara se acerca y desciende. Este movimiento es repetido varias veces durante la película, especialmente cuando Barton afirma que su trábajo es para "dilucidad las profundidades" mientras escribe.^[55] Sus primera experiencias en el Hotel Earle continúan con esta imagen; Chet el botones emerge desde bajo el suelo, sugiriendo que la verdadera actividad esta bajo tierra. Aunque el suelo de Barton esta supuestamente seis plantas por encima de la planta baja, el interior del elevador es mostrado únicamente cuando esta descendiendo. Estos elementos (combinados con muchas pausas dramáticas, diálogos surreales y amenazas implícitas de violencia) crean una atmósfera de tensión extrema. Los Coen explicaron que "la película en su totalidad tiene la intención de hacer sentir como una inminente condena o catástrofe. Y nosotros definitivamente quisimos que termine con un sentimiento apocalíptico".^[68]

El estilo de Barton Fink también es evocador (y representante de) películas de los años 1930 y '40. Como el crítico Michael Dunne señala: "El pesado abrigo de Fink, su sombrero, sus oscuros y monótonos trajes provienen realisticamente de los años '30, pero provienen más aún de las películas de los '30".^[69] El estilo del Hotel Earle y la atmósfera de varias escenas también reflejan la influencia del cine realizado en la época previa a la Segunda Guerra Mundial. Hasta la ropa interior de Charlie es igual a la usada por su héroe filmico Jack Oakie. Al mismo tiempo, las técnicas de cámara usadas por los Coen en Barton Fink representan una combinación entre lo clásico y lo original. Meticulosos travellings y primeros planos extremos distinguen la películas como un producto de final del Siglo XX.^[70]

Desde el inicio, la película se mueve continuamente entre el punto de vista subjetivo del mundo de Barton y otro que es objetivo. Después de los créditos iniciales, la cámara enfoca a Barton, observado el final de su obra. Enseguida vemos la audiencia desde su punto de vista, alentando euforicamente por él. Cuando él camina hacia el escenario, entra en el plano y ahora Barton es visto desde un punto de vista objetivo. Este difuminado entre lo subjetivo y lo objetivo regresa en la escena final.^[71]

El cambiante punto de vista coincide con el tema de la película: la realización cinematográfica. La película comienza con el final de una obra, y la historia explora el proceso de la creación. Este aproximamiento metanarrativo es enfatizado por el enfoque de la cámara sobre Barton en la primer escena (está fuera de escena repitiendo las palabras dichas por los actores), y no en la obra que observa. Como Rowell dice: "Aunque oímos una escena, estamos observando otra. La separación del sonido y la imagen muestra una crucial dicotomía entre dos 'visiones' del artífice: el mundo creado por el protagonista (su obra) y el mundo por fuera de él".^[72]

La película emplea numerosas técnicas foreshadowing. Indicando el probable contenido de la caja que Charlie le deja a Barton, la palabra "cabeza" (head) aparece 60 veces en el guión original.^[73] En un nefasto guiño a eventos futuros, Charlie describe su actitud positiva hacia su "trabajo" como vendedor de seguros: "Fuego, robo y casualidad no son cosas que solo le sucedan a otras personas".^[74]

Simbolismo

Mucho se ha escrito acerca del significado simbólico de Barton Fink. Rowell propone que es "una cabeza figurada hinchandose de ideas que regresan al artista".^[75] La cercanía de la escena de sexo y la muerte de Audrey provoca que Lyons insista con que: "Sexo en Barton Fink es muerte".^[76] Otros han sugerido que la segunda mitad de la película es una secuencia de sueño extendida.^[7] Algunos elementos de la película están claramente presentes para llegar a tales conclusiones; por ejemplo, cuando Barton ingresa al elevador por primera vez le dice al portero Pete: "Seis, por favor". Pete contesta: "Próxima parada, seis". Un instante después, la campana suena y Barton dice: "Este piso, el seis". Este diálogo junto anuncia el Número bíblico de la Bestia (666).^[77]

Los Coen, sin embargo, han negado cualquier intento de crear una unidad sistematica de símbolos en la película. "Nosotros nunca, nunca enfocamos la mente en cosas como esas en nuestras películas", dijo Joel en una entrevista en 1998. "Nunca hay nada cerca de esa especifica clase de intelectualidad. Es siempre un montón de cosas instintivas que creemos adecuadas, por cualquier razón".^[78] Los Coen han expresado su conformidad con ambigüedades sin resolver. Ethan dijo en 1991: "Barton Fink termina diciéndote que está sucediendo hasta el punto de lo que es importante saber... Lo que no es evidente no pretende transformarse en evidente, y está bien dejarlo como está".^[79] Respecto a fantasías y secuencias de sueño, Ethan dijo:

Los matices de homoerotismo de la relación entre Barton y Charlie no son convencionales. Aunque un detective exige saber si ellos tuvieron "alguna enferma cosa sexual", la intimidad es presentada de cualquier forma menos de esa, y encubierta en términos de sexualidad. La primera insinuación amistosa de Charlie hacia su vecino, por ejemplo, aparece en forma de una simple frase: "Me sentiría mejor acerca del maldito inconveniente si me dejas invitarte un trago".^[80] La escena de la lucha entre Barton y Charlie también es citada como un ejemplo de afecto homoerotico. "Consideramos eso como una escena de sexo", dijo Joel Coen en 2001.^[81]

Sonido y música

Muchos de los efectos de sonido en Barton Fink están cargados de significados. Por ejemplo, Barton es llamado por una campana mientras cena en Nueva York; el sonido es liviano y placentero. Contrariamente, la inquietante y sostenida campana del Hotel Earle suena sin detenerse en toda la planta baja, hasta que Chet la silencia.^[82] Las habitaciones cercanas del hotel emiten un coro constante de ásperos llantos, quejidos y variados ruidos inidentificables. Estos sonidos coinciden con el confuso estado mental de Barton, y puntúan la afirmación de Charlie: "Oigo todo lo que sucede en este lugar".^[83] Los aplausos en la primer escena le agregan relevancia la tensión del traslado de Barton al oeste, mezclados con el sonido de una ola chocando en el mar (una imagen que luego en mostrada en pantalla).^[84]

Los hermanos Coen fueron contactados por "el ASPCA o algo sobre los animales" antes de que el rodaje comenzara. "Tenían una copia del guión y querían saber como íbamos a tratar a los mosquitos. No estoy bromeando".^[85]

Otro sonido simbólico es el zumbido de un mosquito. Aunque su productor insiste con que estos parásitos no habitan en Los Angeles ("los mosquitos se reproducen en pantanos; esto es un desierto"^[86] ), su distintivo sonido es oído claramente cuando Barton observa un circulo de insectos volando sobre el en su habitación del hotel. Más tarde, llega a la reunión con picaduras de mosquito en su rostro. El insecto también se hace presente prominentemente en la escena de la muerte de Audrey; Barton le paga a un mosquito que se estaba alimentando de su cadáver, y derrepente se da cuenta de que ha sido asesinada. El punto más alto del zumbido del mosquito hace eco en la altas cuerdas usadas para la banda de sonido original de la película.^[87] Durante el rodaje, los Coen fueron contactados por un grupo de protección de los derechos de los animales quienes expresaron preocupación acerca de como serían tratados los mosquitos.^[85]

La banda sonora fue compuesta por Carter Burwell, quien había trabajado con los Coen desde la primer película. A diferencia de sus primeros proyectos (el folk irlandés usado para Miller's Crossing y el folk estadounidense en Raising Arizona), Burwell compuso la música para Barton Fink sin una inspiración especifica.^[88] La música fue lanzada en CD en 1996, combinada con la banda sonora de otra película posterior de los Coen, Fargo.^[89]

Varias canciones usadas en la película también tienen significados. Hay un momento en el que Mayhew, borracho, se aleja de Barton y Audrey. mientras deambula, grita la canción folk "Old Black Joe". Compuesta por Stephen Foster, ésta cuenta la historia de un anciano esclavo preparándose para unirse a sus amigos en "un mejor reino". La interpretación de Mayhew de la canción coincide con su condición de empleado oprimido de Capitol Pictures; eso le da importancia a la propia situación de Barton al final de la película.^[90]

Cuando termina de escribir el guión, Barton celebra bailando en una fiesta de la USO. La canción utilizada en esta escena una interpretación de "Down South Camp Meeting", una melodía swing. La letra (que no se escucha en la película) dice: "Preparado imbécil (canta) / ¡Aquí vienen! El coro está en el escenario". Estas líneas hacen referencia al título de la obra de Barton, "Bare Ruined Choirs" (desnudos arruinados coros). Cuando la celebración estalla convirtiéndose en un tumulto, la intensidad de la música se incrementa, y la cámara hace un zoom en el profundo hueco de un trombón. Esta secuencia refleja el acercamiento de la cámara dentro de un profundo desagüe justo antes de que Audrey sea asesinada más temprano en la película.^[91]

Fuentes de inspiración y alusiones

La inspiración para la película proviene de varias fuentes, y contiene referencias a muchas personas y eventos diferentes. En un momento en la escena del picnic, cuando Mayhew deambula borracho lejos de Barton y Audrey, él grita: "Silencioso sobre una colina en Darien!". Es una linea del soneto "On First Looking into Chapman's Homer" (1816) de John Keats. Esta referencia literaria no solo demuestra el conocimiento literario de textos clásicos del personaje, sino también la referencia del poema al Océano Pacífico se conecta con el frase en la que Mayhew dice que va a "solo bajar a pie al Pacífico, y desde ahí... improvisaré".^[92]

El título de la obra de Barton, "Bare Ruined Choirs", es sacado de la cuarta linea del soneto 73 de William Shakespeare. El poema se centra en el envejecimiento y la muerte, se conecta con la exploración de la dificultad artística de la película.^[93] Otras alusiones académicas son presentadas en otras partes, a menudo con extrema sutileza. Por ejemplo, un breve plano del título de una novela de Mayhew indica la editorial "Swaim and Pappas". Esto es probablemente una referencia a Marshall Swain y George Pappas, filósofos cuyos trabajos se centran en temas que son explorados en la película, como la limitación de conocimiento y la naturaleza del ser.^[94] Un crítico indica que la fijación de Barton en la mancha en el techo de su habitación relaciona el comportamiento del protagonista de la historia corta "The Enduring Chill" de la escritora Flannery O'Connor.^[95]

Algunos críticos han sugerido que la película hace referencia indirectamente al trabajo de los escritores Dante Alighieri (mediante el uso de imágenes de La Divina Comedia) y Johann Wolfgang von Goethe (mediante la presencia de acuerdos faustianos).^[96] En la película aparecen estructuras burocráticas confundidas y personajes irracionales, como los de las novelas de Franz Kafka, pero los Coen insisten con que esa conexión fue sin intención. "No lo he leído desde la escuela", admitió Joel en 1991, "cuando devoré trabajos como La metamorfosis. Otros han mencionado El castillo y "In the Penal Colony", pero nunca los he leído".^[97]

Clifford Odets

El personaje Barton Fink está en parte basado en Clifford Odets, un dramaturgo de Nueva York quien en 1930 se unió al Group Theatre, un grupo de dramaturgos entre los que estaban Harold Clurman, Cheryl Crawford y Lee Strasberg. Sus trabajos enfatizaban problemas sociales, y empleaban el sistema de actuación de Stanislavski para recrear el sufrimiento humano tan sinceramente como fuese posible. Muchas de las obras de Odets fueron exitosamente realizadas en Broadway, incluyendo Awake and Sing! y Waiting for Lefty (ambas en 1935). Cuando el gusto del público se alejó del teatro políticamente comprometido frente el realismo familiar de Eugene O'Neill, Odets tuvo dificultades para producir trabajos que resultaran exitosos, así que se trasladó a Hollywood y pasó veinte años escribiendo guiones para películas.^[98]

La semejanza de Clifford Odets con el actor John Turturro es "asombrosa", según el crítico R. Barton Palmer.^[99]

Los Coen escribieron con Odets en mente; imaginaron a Barton Fink como "un serio dramaturgo, honesto, comprometido políticamente y bastante ingenuo".^[9] Ethan dijo en 1991: "Pareció natural que él proviniera de Group Theatre y la década de 1930".^[9] Al igual que Odets, Barton cree que el teatro debe celebrar las pruebas y triunfos de las personas cotidianas; al igual que Barton, Odets fue muy egotísta.^[100] En la película, una crítica sobre la obra de Barton indica que sus personajes enfrentan una "brutal lucha por la existencia... en las más miserables esquinas". Estas palabras son similares a las del biógrafo Gerald Weales sobre los personajes de Odets: "pelean por la vida entre mezquinas condiciones".^[94] Lineas de diálogo del trabajo de Barton recuerdan a la obra de Odets, Awake and Sing!. Por ejemplo, uno de los personajes declara: "Ahora estoy despierto, despierto por primera vez". Otro dice: "Toma ese arruinado coro. Hazlo cantar".^[101]

Sin embargo, muchas diferencias importantes existen entre estos dos hombres. Joel dijo: "Ambos escritores escribieron el mismo tipo de obras con héroes proletarios, pero sus personalidades son bastante diferentes. Odets fue mucho más extrovertido; de hecho, fue bastante sociable hasta en Hollywood, ¡y este no es el caso de Barton Fink!".^[102] Aunque él estaba frustrado por su declinante popularidad en Nueva York, Odets tuve éxito durante su época en Hollywood. Varias de sus obras fueron adaptadas (por él y por otros) al cine. Una de ellas, The Big Knife, se ajusta a la vida de Barton más que a la de Odets. En ella, un escritor se ve abrumado por la codicia del estudio de cine que lo contrató, y finalmente se suicida.^[103] Otra similitud con el trabajo de Odets es la muerte de Audrey, que recuerda a una escena de Deadline at Dawn, una película de cine negro de 1946 escrita por Odets. En aquella película, un personaje despierta y descubre que la mujer con la que se había acostado la noche anterior ha sido inexplicablemente asesinada.^[104]

Odets notificó su difícil transición de Broadway a Hollywood en su diario, publicado en 1988 titulado "The Time Is Ripe: The 1940 Journal of Clifford Odets". El diario exploraba las deliberaciones psicológicas de Odets acerca de la escritura y el romance. A menudo invitaba mujeres a su departamento, en su diario describe muchas de sus aventuras. Estas experiencias, como la larga charla acerca de la escritura, hacen eco en Barton Fink cuando Audrey visita y seduce a Barton en el Hotel Earle.^[105] Turturro fue el único miembro de la producción que leyó el diario de Odets, sin embargo, los hermanos Coen insisten al público con "tomar en cuenta la diferencia entre el personaje y el hombre".^[9]

William Faulkner

Existen algunas similitudes entre el personaje W.P. Mayhew y el novelista William Faulkner.

El actor John Mahoney fue seleccionado para el papel de W.P. Mayhew "por su parecido a William Faulkner" (foto).^[9]

De la misma forma que Mayhew, Faulker se hace conocido como un supremo escritor de Literatura sureña, y luego trabaja en el negocio del cine. De la misma forma que Faulkner, Mayhew es un gran bebedor y habla despreciativamente sobre Hollywood.^[9] El nombre de Faulkner apareció en el libro de Hollywood de los años '40, City of Nets, leído por los Coen al tiempo que creaban Barton Fink. Ethan explicó en 1988: "Leí ésta historia al pasar, sobre que Faulkner fue designado para escribir una película sobre lucha libre... Eso fue en parte lo que nos hizo interesarnos en hacer Barton Fink".^[106] En 1932, Faulker trabajó en una película de lucha libre llamada Flesh, protagonizada por Wallace Beery, el actor para quien Barton escribe.^[107] La temática de la lucha libre fue fortuita para los Coen, a medida que participaron de este deporte en la secundaria.^[106]

Sin embargo, los Coen rechazan una conexión significativa entre Faulker y Mayhew, calificando las similitudes como "superficiales".^[9] "Según los detalles del personaje", dijo Ethan en 1991, "Mayhew es muy diferente de Faulker, de quién las experiencias en Hollywood no fueron en absoluto las mismas".^[9] A diferencia de la imposibilidad de Mayhew de escribir debido a problemas personales y con la bebida, Faulker continuó escribiendo novelas después de haber trabajado en el mundo del cine, ganando varios premios por novelas escritas durante y después de su época en Hollywood.^[108]

Jack Lipnick

El personaje del magnate del estudio Jack Lipnick (Michael Lerner) es una composición de varios productores de Hollywood, incluidos Harry Cohn, Louis B. Mayer y Jack Warner, tres de los hombres más poderosos en la industria del cine en la época en la que Barton Fink está ambientada.^[109] Como Louis B. Mayer, Lipnick es originario de la ciudad bielorrusa Minsk. Cuando la Segunda Guerra Mundial estalló, Warner estaba eufórico y ordenó a su sección de vestuario crear un uniforme militar para él; Lipnick hace lo mismo en su última escena. Warner una vez se refirió a los escritores como "idiotas con Underwoods", en la película Barton usa una maquina de escribir marca Underwood.^[110]

Al mismo tiempo, los Coen hacen hincapié con que el laberinto de decepción y dificultad que Barton soporta no está basado en sus propias experiencias. Aunque Joel ha dicho que los artistas tienden a "encontrarse con ignorantes", agrego: "Barton Fink está bastante lejos de nuestra propia experiencia. Nuestra vida profesional en Hollywood ha sido especialmente fácil, y no extraordinaria e injusta".^[111] Ethan ha sugerido que Lipnick (al igual que el hombre en el que está basado) es en algunos sentidos producto de su época. "No se si esos personajes siguen existiendo. Ahora Hollywood es un poco más suave y corporativo que antes".^[112]

Cine

Los Coen han admitido varias inspiraciones cinematográficas para Barton Fink. Entre ellas principalmente están tres de las películas del realizador polacofrancés Roman Polanski: Repulsión (1965), Cul-de-Sac (1966) y The Tenant (1976).^[113] Estas películas emplean un estado de incertidumbre psicológica, acompañada de ambientes inquietantes que componen la inestabilidad mental de los personajes. El aislamiento en su habitación del Hotel Earle de Barton es frecuentemente comparado al de Trelkovsky en su apartamento en The Tenant. Ethan dijo sobre el género de Barton Fink: "Es parecido a una película de Polanski. Está más cerca de eso que de cualquier otra cosa".^[114] De casualidad, Polanski encabezó el jurado del Festival de Cannes en 1991, donde Barton Fink fue presentada. Esto creó una situación incómoda. "Obviamente," dijo Joel Coen después, "hemos sido influenciados por sus películas, pero en ese momento nos sentimos inseguros en hablarle porque no queríamos dar la impresión de ser alcahuetes".^[115]

Otros trabajos nombrados como influencias de Barton Fink fueron El resplandor (1980) de Stanley Kubrick y la comedia Los viajes de Sullivan (1941), escrita y dirigida por Preston Sturges.^[116] Ambientada en un hotel vacío, la película de Kubrick tiene a un escritor incapaz de continuar con su último trabajo. Aunque los Coen están de acuerdo con las comparaciones con El resplandor, Joel sugiere que la película de Kubrick "pertenece en un sentido más global a una película de género de terror".^[115] Los viajes de Sullivan, lanzada en el año en que esta situada Barton Fink, sigue a un exitoso director, John Sullivan, quien decide crear una película de impacto social profundo (como el deseo de Barton de crear entretenimiento para "el hombre común"). Sullivan finalmente decide que el entretenimiento cómico es la clave para los realizadores de películas, similar a lo que Jack Lipnick dice al final de Barton Fink: "el público quiere ver acción, aventura".^[117]

Más referencias a películas e historia del cine abundan en Barton Fink. En un momento un personaje debate sobre "Victor Soderberg"; el nombre es una referencia a Victor Sjöström, un director sueco que trabajó en Hollywood bajo el nombre de Victor Seastrom.^[118] El comentario de Charlie acerca de como sus problemas "no equivalen a una montaña de frijoles" es un probable homenaje a la película Casablanca (1942). Otra similitud es la escena de Barton Fink en la playa con el momento final en La Dolce Vita (1960), donde la linea final del diálogo de una mujer es borrado por el sonido del océano.^[119] El inquietante vacío del Hotel Earle también ha sido comparado con los espacios de Cayo Largo (1948) y Sunset Boulevard (1950).^[114]

Temáticas

Dos de los temas centrales de la película (la cultura del entretenimiento y el proceso de escritura) están entrelazados y relacionados específicamente para la naturaleza de autoreferenciación del trabajo (como también del trabajo dentro del trabajo). Es una película acerca de una hombre que escribe una película basada en una obra, y en medio de la obra de Barton está el mismo. El diálogo en su obra Bare Ruined Choirs (también las primeras lineas de la película, de las cuales algunas se repiten al final como lineas del guión que escribe Barton, The Burlyman) nos presenta una visualización al autodescriptivo arte de Barton. La madre en la obra se llama "Lil", luego se revela que también es el nombre de la propia madre de Barton. En la obra, "El chico" (una representación del propio Barton) se refiere a su casa "seis pisos arriba", el mismo piso donde Barton reside en el Hotel Earle. Además, el proceso de escritura de los personajes en Barton Fink reflejan diferencias importantes entre la cultura del entretenimiento en la zona de Broadway (Nueva York) y Hollywood.^[120]

Broadway y Hollywood

El mundo del teatro en Broadway de Barton Fink es un lugar de gente de cultura elevada, donde el creador cree totalmente que su trabajo personifica sus propios valores. Aunque pretende despreciar su propio éxito, Barton cree que ha logrado una gran victoria con Bare Ruined Choirs. Busca elogios; cuando Garland, su agente, le pregunta si ha visto la brillante crítica en el Herald, Barton contesta "no", aunque su productor se la haya leído. Barton se siente cerca del teatro, seguro de que le puede ayudar a crear trabajo para honrar al "hombre común". El hombre y la mujer que financiaron la producción ("esa gente", como Barton los llama) demuestran que Broadway está tan preocupado por las ganancias como Hollywood; pero su intimidad y su menor escala le permiten a Barton sentir que su trabajo tiene un verdadero aprecio.^[121]

En la película, Hollywood demuestra muchas formas de lo que el autor Nancy Lynn Schwartz describe como "formas de manipulación económica y psicológica usada para conservar el control absoluto".^[122]

Barton no cree que Hollywood ofrezca la misma oportunidad. En la película, Los Angeles es un mundo de gente falsa. Esto es evidente en un diálogo del principio del guión (filmado, pero no incluido en la película^[123] ); mientras le informa a Barton de la oferta de Capitol Pictures, su agente le dice: "Solo estoy pidiendo que tu decisión sea informada con un poco de realismo, si se me permite usar esa palabra y Hollywood en la misma frase".^[124] Más tarde, cuando Barton trata de explicar por que se está quedando en el hotel, el jefe del estudio Jack Lipnick termina su frase, reconociendo que Barton quiere un sitio que sea "menos Hollywood". La asunción es que Hollywood es falso y el hotel Earle es genuino. El productor Ben Geisler lleva a Barton a almorzar a un restaurante que tiene un mural del "New York Cafe", un signo del esfuerzo de Hollywood por mostrar algo de la autenticidad de la costa este.^[125] La aplastante exuberancia inicial de Lipnick es también una fachada. Aunque él comienza diciéndole a Barton que "el escritor es un rey en Capitol Pictures", en la penúltima escena insiste: "Si tu opinión importara, entonces supongo que yo renunciaría y te dejaría manejar el estudio. Pero no importa, y no lo haras, y los lunaticos no van a manejar este asilo".^[126]

El engaño en Barton Fink es un emblema de la atención de Hollywood hacia la cultura popular y baja, el implacable deseo de producir entretenimiento basado en formulas para el solo propósito de la ganancia económica. Capitol Pictures contrata a Barton para escribir una película de lucha libre para ser protagonizada por Wallace Beery. Aunque Lipnick manifiesta otra cosa, Geisler le asegura a Barton que "es solo una película de clase B". Audrey intenta ayudarlo diciendo: "Mira, es solo una fórmula. No tienes que imprimir tu alma en ella".^[127] Esta fórmula es aclarada por Lipnick, que en la primer reunión le pregunta a Barton si el personaje principal debe tener una amante o cuidar a un niño huérfano. Barton demuestra su poca familiaridad contestando: "Las dos, ¿quizás?". Al final, su incapacidad de ajustarse a las normas de estudio destruye no solo a Barton, sino también al productor Geisler.^{[128] [129]}

Una descripción similar de Hollywood aparece en la novela de Nathanael West, The Day of the Locust (1939), la cual muchos críticos ven como un importante precursor para Barton Fink.^[130] Ambientado en un complejo de apartamento venido abajo, el libro describe a un pintor limitado a decorar sets de filmación. Retrata a Hollywood como insensible y explotadora, destruyendo individuos talentosos en su interminable búsqueda de ganancias. En ambas, la novela de West y Barton Fink, los protagonistas sufren bajo la opresiva industria de la producción de películas.^[131]

Escritura

La película contiene material autorreferencial, como una cinta acerca de un escritor con dificultades para escribir (escrita por los hermanos Coen mientras tenían problemas escribiendo otro proyecto). Barton es atrapado entre su propio deseo de crear arte con sentido y la necesidad de Capitol Pictures de usar convencionalismos para conseguir ganancias.^[132] El consejo de Audrey de seguir la formula hubiese salvado a Barton si le hubiese hecho caso. Él no lo hace, pero cuando él pone la misteriosa caja sobre su escritorio, ella podría, de alguna manera, ayudarlo de forma póstuma.^[133] La propia película juega con un estándar de formulas de guión. De la misma forma que los guiones de Mayhew, Barton Fink tiene un "luchador bueno" (parece ser Barton) y un "luchador malo" (Charlie) que se "enfrentan" entre ellos al final. Pero debido al estilo de los Coen, la linea divisoria entre el bueno y el malo no es clara, y el supuesto héroe, de hecho, deja ver que es sordo hacia las suplicas de su vecino, el "hombre común". Borrando las lineas entre la realidad y la experiencia surreal, la película trastorna los "cuento simples de moralidad" y los "mapas" ofrecidos a Barton como caminos fáciles a seguir por el escritor.^[134]

No obstante, los Coen señalan que no se supone que Barton Fink los represente. "Nuestra vida en Hollywood ha sido particularmente fácil", dijeron. "La película no es un comentario personal".^[135] Todavía, temas universales del proceso creativo son explorados mediante la película. Durante la escena del picnic, por ejemplo, Mayhew le pregunta a Barton: "¿Escribes en paz?", Barton hace una pausa y luego contesta: "No, siempre he encontrado que la escritura proviene desde un gran dolor interno".^[136] Tales diálogos llevan al crítico William Rodney Allen a llamar a Barton Fink "una autobiografía, no literal, de la vida de las mente de los Coen".^[137]

Fascismo

Varios elementos de la película, incluyendo el estar ambientada al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, han conducido a algunos críticos a resaltar paralelismos entre el ascenso del fascismo en ese entonces. Por ejemplo, los detectives que visitan a Barton en el Hotel Earle se llaman "Mastrionatti" y "Deutsch", apellidos italiano y alemán, evocadores de los regimenes de Adolf Hitler y Benito Mussolini.^[138] El desprecio por Barton es claro: "Fink. Es un nombre judío, ¿no?... No pensé que este vertedero estuviese restringido".^[139] Más tarde, después de matar su última victima, Charlie dice "Heil Hitler".^[140] Jack Lipnick (cuyo nombre podría ser un guiño a Leipzig, Alemania) es originario de la capital de Bielorrusia, Minsk, ciudad que fue centro trabajo solidario en ese momento y fue ocupada en los años 1940 por los nazis bajo la Operación Barbarroja.^[141]

La escena final revela "un abiertamente risueño Mundt/Meadows hitleriano", según el crítico Donald Lyons.^[142]

"No es forzar el problema para sugerir que el Holocausto se sostiene sobre Barton Fink", escribe el biógrafo Ronald Bergan.^[143] Otros ven un mensaje más especifico en la película, particularmente la ignorancia de Barton hacia las tendencias homicidas de Charlie. El critico Roger Ebert escribió en su reseña de 1991 que los Coen planearon crear una alegoría por el ascenso del nacismo. "Ellos pintan a Fink como un ineficaz e impotente intelectual izquierdista, que se vende cuando se dice a sí mismo que esta haciendo lo correcto, que cree que entiende a el "hombre común" pero no entiende que, para muchos hombres comunes, el fascismo tiene un seductivo atractivo". Sin embargo, continúa diciendo: "Sería un error insistir tanto en este aspecto de la película...".^[144]

Otros críticos son más exigentes. M. Keith Booker escribe:

Por su parte, los Coen negaron cualquier intención de presentar un mensaje alegórico. Eligieron los nombres de los detectives a propósito, pero "solo queríamos que fuesen representantes del poder de esa época, el Eje. Nos pareció algo divertido. Todas esas cosas, el "Heil Hitler!" de Charlie, seguro, está todo allí, pero es como una burla".^[146] En 2001 Joel respondió a una pregunta sobre los críticos que proveen un exhaustivo análisis: "Esa es la forma en que ellos han sido entrenados para ver películas. En Barton Fink, nosotros podríamos haberlo incentivado, como provocar a animales en el zoológico. La película es intencionalmente ambigua de manera en que ellos podrían no estar acostumbrados a ver".^[147]

Esclavitud

Aunque tenue en diálogo e imágenes, el tema de la esclavitud aparece varias veces en la película. El canto de Mayhew de la espiritual "Old Black Joe" lo describe como esclavizado por el estudio cinematográfico, como el narrador de la canción que añora diciendo: "mis amigos de los campos de algodón".^[19] Un breve plano de la puerta del espacio de trabajo de Mayhew muestra el título de la película que supuestamente está escribiendo: Slave Ship (Barco negrero). Esta es una referencia a una película de 1937 que lleva el mismo título escrita por William Faulkner (la inspiración para Mayhew) y protagonizada por Wallace Berry, para quien Barton está componiendo el guión en la película.^[19]

El símbolo del barco negrero es ampliado por diseños específicos de la ambientacion, como las ventanas circulares en la oficina de Ben Gaisler que se parecen a ojos de buey, como también el pasillo que conduce a la casa de Mayhew, que parece a la rampa embarque de los barcos.^[19] Varias frases en los diálogos aclaran al final de la película que Barton se ha transformado en un esclavo del estudio: "El contenido de tu cabeza," le dice el asistente de Lipnick, "son propiedad de Capitol Pictures".^[148] Después de que Barton entrega en guión, Lipnick propina un castigo todavía más brutal: "Cualquier cosa que escribas será propiedad de Capitol Pictures. Y Capitol Pictures no producirá nada de lo que escribas".^[149] Este desprecio y control representa las opiniones expresadas por muchos escritores de Hollywood de ese entonces.^{[19] [150]} Como Arthur Miller dijo en su reseña de Barton Fink: "La única cosa acerca de Hollywood que estoy seguro es que su masticación de escritores nunca podrá ser tan salvajemente exagerada".^[151]

"El hombre común"

Los hermanos Coen escribieron el papel de Charlie Meadows para el actor John Goodman, en parte porque su "cariñosa y amistosa imagen que proyecta al espectador".^[152]

Durante el primer tercio de la película, Barton habla constantemente de sus deseos de retratar al "hombre común" en su trabajo. En uno de sus monólogos declara: "Las esperanzas y sueños del hombre común son tan nobles como las de cualquier rey. Es el fundamento de la vida ¿por qué no debería ser el fundamento del teatro? Maldición, ¿por qué eso debe ser una pastilla difícil de tragar? No lo llames nuevo teatro, Charlie; llamalo verdadero teatro, llamalo nuestro teatro".^[17] Todavía, a pesar de su retórica, Barton es totalmente incapaz (o no dispuesto) de apreciar la humanidad del "hombre común" que vive en el apartamento de al lado. Él hace este discurso después de interrumpir de forma descortés a Charlie, cuando decía: "Yo podría contarte algunas historias".^[17] Luego, Charlie le explica que no le ha advertido de todos los horrores diciendo "¡tu no escuchas!".^[153] En otra escena, Barton simbolicamente demuestra su sordera al mundo rellenando sus orejas con algodón para bloquear el sonido de su teléfono.^[154]

La posición de Barton como guionista es particularmente consecuencia de su relación con "el hombre común". Negandose a escuchar a su vecino, Barton no puede validar la existencia de Charlie en su escritura, con resultados desastrosos. No solo Charlie está atascado en un trabajo que lo menosprecia, sino que no puede (por lo menos en el caso de Barton) terminar su historia.^[155] Más principalmente, la película trata la evolución del entendimiento del "hombre común" de Barton: al principio es una abstracción a ser mencionada desde una vaga distancia. Luego se transforma en un individuo con miedos y deseos. Y finalmente él muestra ser un individuo poderoso por sí solo, capaz de modos extremos de destrucción y por lo tanto ser temido y respetado.^[156]

La complejidad del "hombre común" es también explorada mediante la a menudo mencionada "vida de la mente". Mientras expone su deber como escritor, Barton dice: "Tengo que decirte, la vida de la mente... No hay mapa para ese territorio... y explorarlo puede ser doloroso. La clase de dolor que la mayoría de la gente no conoce".^[157] Barton asume que él tiene conocimiento y pensamientos creativos, mientras que Charlie no. Este error comparte el clímax final de la película, cuando Charlie corre a lo largo del pasillo del Earle, disparando a los detectives con una escopeta y gritando: "¡Mirame! ¡Te mostraré la vida de la mente!".^[158] "La vida de la mente" de Charlie no es menos compleja que la de Barton; de hecho, algunos críticos la consideran más.^[159]

La comprensión del mundo de Charlie es descrita como omnisciente, como cuando le pregusta a Barton acerca de "los dos tórtolos de la habitación de al lado" a pesar del hecho que están a varias puertas de distancia. Cuando Barton le pregunta como sabe acerca de ellos, Charlie responde: "Parece como que escuchara todo lo que sucede en este basurero".^[160] Su total conocimiento de los eventos del Earle demuestran el tipo de comprensión necesarios para mostrar real empatía, como Audrey describió. Este tema vuelve cuando Charlie explica su escena final: "Siento lastima por la mayoría de ellos. Si. Me hace llorar por dentro pensar acerca de lo que van a sufrir. Cuan atrapados están. Lo entiendo. Lo siento mucho por ellos. Así que trato de ayudarlos".^{[161] [162]}

Religión

Temas acerca de la salvación religiosa y alusiones a textos bíblicos aparecen brevemente en Barton Fink, pero su presencia domina la historia.

Los intentos de Barton de dar sentido a sus experiencias son similares al esfuerzo de Daniel para interpretar el sueño de Nabucodonosor en el Libro de Daniel.

Mientras Barton experiencia sus mayores momentos de confusión y desesperación, abre el cajón de su escritorio y encuentra la sagrada biblia de Gideon. La abre "aleatoriamente" en el Capítulo 2 del Libro de Daniel, y de ahí lee: "Y el rey, Nabucodonosor, contestó y dijo a los caldeos, yo no recuerdo mi sueño; si no me dais a conocer el sueño y su interpretación, seréis cortados en pedazos y vuestras casas serán reducidas a escombros".^[163] Este pasaje refleja la inhabilidad de Barton para darle sentido a sus propias experiencias (donde Audrey ha sido "cortada en pedazos"), como también las "esperanzas y sueños" del "hombre común".^[164] Nabucodonosor también es el título de una novela que Mayhew le da a Barton como un "pequeño entretenimiento" para "distraerte en tu estadía entre los Filisteos".^[165]

Mayhew alude a "la historia de de la mami de Salomón", una referencia a Betsabé, quien le dio vida a Salomón después de que su amante David matara a su esposo Urías el hitita. Aunque Audrey excluye a Mayhew elogiando su libro (el cual fue escrito por Audrey), la referencia resalta el triángulo amoroso que involucra a estos tres personajes de Barton Fink. Rowell indica que Mayhew es asesinado (supuestamente por Charlie) poco después de que Barton y Audrey tienen sexo.^[166] Otra referencia biblica aparece cuando Barton gira la parte frontal de la biblia en el cajón de su escritorio y observa sus propias palabras transpuestas en el libro del Génesis. Esto es visto como una representación de su excesivo orgullo como un autoconcevido y omnipotente maestro de la creación, o de otra forma como una pícara yuxtaposición demostrando el estado alucinatorio de la mente de Barton.^[166]

Recibimiento

Barton Fink fue estrenada en mayo de 1991 en el Festival de cine de Cannes. Compitiendo junto a La Belle Noiseuse de Jacques Rivette, Jungle Fever de Spike Lee y Homicide de David Mamet, la película de los hermanos Coen ganó tres premio: Mejor director, Mejor actor y el premio más importante, la Palma de Oro.^[167] Esta cantidad de premios en categorías importantes de Cannes fue extremadamente rara, y algunos críticos sintieron que el jurado fue demasiado generoso y excluyó a otros participantes valiosos.^[168] Preocupados por esta triple victoria sin precedentes, después del festival de 1991, Cannes decidió limitar a dos la cantidad máxima de premios por película, para asegurar a valoración de otras películas en futuros festivales.^[168]

Larry King llamó a Barton Fink "una de las más inusuales películas que he visto".^[169]

Barton Fink fue un aplastante éxito en nivel crítico. El sitio que se dedica a juntar todas las reseñas, Rotten Tomatoes, marca un 91% de críticas favorables en su medidor (basado en 46 reseñas), todos excepto uno de sus críticos más importantes le dieron una crítica positiva. El otro sitio que acumula críticas, Metacritic, tiene un 69% de índice favorable, basado en 19 reseñas publicadas. El crítico del The Washington Post, Rita Kempley, describió a Barton Fink como "seguramente una de las mejores y más intrigantes películas del año".^[170] El crítico del The New York Times, Vincent Canby, la llamó "una absoluta ganadora" y "una buena comedia negra de exuberante estilo y enorme, aunque aparentemente sin esfuerzo, técnica".^[171] Otro, Jim Emerson, llamó a Barton Fink "la película más deliciosa y provocativamente indescriptible de los hermanos Coen".^[172]

A algunos críticos no les gustó el obtuso argumento y el deliberadamente enigmático final. El crítico del Chicago Reader, Jonathen Rosenbaum, advirtió de la "adolescente aduladoridad y el cinismo de comic", y describió Barton Fink como "una película de media noche que da asco en una tarde de sábado".^[173] En una entrevista en 1994, Joel desestimó las críticas hacia los elementos poco claros en sus películas: "La gente tiene problemas para aceptar el hecho de que nuestras películas no son convencionales. Ellos preferirían que la última mitad de Barton Fink solamente fuese acerca de los problemas de bloqueo de un guionista y como son resueltos en el mundo real...".^[174] El anfitrión del programa de entrevistas Larry King expresó su aprobación por la película, a pesar de su conclusión incierta. Escribiendo para el USA Today, dijo: "El final es algo en lo que todavía estoy pensando y si ellos lo completaran, supongo que funcionaría".^[169]

La película se estrenó en Estados Unidos el 23 de agosto de 1991 con once proyecciones, y recaudó US$268.561 durante su semana de estreno. Durante su lanzamiento en cines, Barton Fink recaudó US$6.153.939 en Estados Unidos.^[175] Que la película haya fallado en recuperar el gasto de la producción le hizo gracia al desafiliado productor de cine Joel Silver: "No creo que haya hecho 5 millones, y costó 9 millones en hacer. [Los hermanos Coen tienen] una reputación por se raros, descentrados, inaccesibles".^[176] La película fue lanzada en formato VHS el 18 de agosto de 1993,^[177] y una edición en DVD fue lanzada el 20 de mayo de 2003. El DVD contiene una galería de fotos, trailers y ocho escenas eliminadas.^[178]

Reparto y personajes

• John Turturro como Barton Fink:

Un escritor intelectual que acaba de triunfar en Nueva York, es contratado por un productor de Hollywood para realizar un guión para una película de luchas.

• John Goodman como Charlie Meadows/Karl Mundt:

El vecino de Barton en el hotel. Un charlatán y jovial hombre que lo acompañará y tratará de ayudar en sus momentos más frustrantes.

• Judy Davis como Audrey Taylor:

La esposa de W.P. Mayhew, quien también intentará ayudar a Barton.

• Michael Lerner como Jack Lipnick:

Presidente de "Capitol Pictures", quien contrata a Barton para la realización del guión, en el que tiene mucha expectativa.

• John Mahoney como W.P. Mayhew:

Un aclamado novelista, transformado en guionista con problemas de alcohólismo, a quien acude Barton en busca de ayuda para su guión.

• Tony Shalhoub como Ben Geisler:

El productor que le sugiere a Barton que busque ayuda de otro escritor.

• Jon Polito como Lou Breeze:

El asistente de Jack Lipnick, presidente de "Capitol Pictures".

• Steve Buscemi como Chet:

Recepcionista del "Hotel Earle", uno de los pocos que acompañan a Barton en su estadía en Los Angeles.

• David Warrilow como Garland Stanford
• Richard Portnow como Detective Mastrionotti
• Christopher Murney como Detective Deutsch
• I.M. Hobson como Derek
• Meagen Fay como Poppy Carnahan
• Lance Davis como Richard St. Claire
• Harry Bugin como Pete

Doblaje

Personaje	Actor Original	Actor de voz (España) [179]
Barton Fink	John Turturro	Fernando De Luis
Charlie Meadows	John Goodman	Carlos Ysbert
Jack Lipnick	Michael Lerner	Juan Perucho
Audrey Taylor	Judy Davis	Olga Cano
W. P. Mayhew	John Mahoney	Roberto Cuenca Martínez
Ben Geisler	Tony Shalhoub	José Padilla
Lou Breeze	Jon Polito	Mario Martín
Chet	Steve Buscemi	Salvador Aldeguer
Detective Deutsch	Christopher Murney	David García Vázquez
Detective Mastrionotti	Richard Portnow	Luis Mas
Garland Stanford	David Warrilow	Luis Gaspar

Trivia

• La escena en la que Barton despierta al lado Audrey, es un homenaje a la escena de la cabeza de caballo de El Padrino (1972).
• Como fanáticos de Stanley Kubrick, los hermanos Coen han incluido muchas referencias hacia él en sus películas. La cámara fija que enfoca la entrada de la habitación 621 es una evidente referencia al director. Ésta es parecida a las tomas en El resplandor.
• En la famosa serie Los Simpson se hace referencia a Barton Fink en el capítulo "Brother from the Same Planet", cuando un grupo de chicos dicen que van a escabullirse para ver la película en el cine. También se hace referencia en el capítulo "Bart the Fink", el título es un juego de palabras.
• En el videojuego de Los Simpson, The Simpsons Hit & Run (2003), hay un nivel llamado "Bart N' Frink", es otro juego de palabras haciendo referencia a la película.
• El papel tapiz de la habitación de Barton se despega solo cuando el personaje de John Goodman esta en la habitación o acaba de irse.
• Los hermanos Coen citan como mayor influencia de Barton Fink a la película The Tenant (1979) del director Roman Polanski.
• El final con el ave en el mar no fue intencional. Según Joel e Ethan Coen, el pájaro entró en la toma y les gustó mucho, así que decidieron dejarlo.
• El nombre Karl Mundt (personaje interpretado por John Goodman) proviene de un libro de John le Carré, titulado "El espía que surgió del frío", del cual también se hizo una película que fue lanzada en 1965.
• Los hermanos Coen escribieron los papeles de John Turturro, John Goodman, Jon Polito y Steve Buscemi, con estos actores en mente para interpretar cada personaje.^[180]

Galardones

Premios recibidos

• Festival Internacional de Cine de Cannes (1991):
  • Premio a la interpretación masculina: John Turturro
  • Premio a la mejor dirección: Joel Coen
  • Palma de Oro: Barton Fink

• Los Angeles Film Critics Association Awards (1991):
  • Mejor cinematografía: Roger Deakins
  • Mejor actor de reparto: Michael Lerner

• New York Film Critics Circle Awards (1991):
  • Mejor cinematógrafo: Roger Deakins
  • Mejor actriz de reparto: Judy Davis

• Premio David de Donatello (1992):
  • Migliore Attore Straniero (Mejor actor extranjero): John Turturro

• Motion Picture Sound Editors (1992):
  • Mejor edición de sonido: Barton Fink

• National Society of Film Critics Awards (1992):
  • Mejor cinematografía: Roger Deakins

• London Critics Circle Film Awards (1993):
  • Actriz del año: Judy Davis
  • Archivo técnico inglés del año: Roger Deakins (fotografía)

Nominaciones recibidas

• Premios Oscar (1992):
  • Oscar al mejor actor de reparto: Michael Lerner
  • Oscar a la mejor dirección de arte: Dennis Gassner y Nancy Haigh
  • Oscar al mejor diseño de vestuario: Richard Hornung

• Premios Globo de Oro (1992):
  • Globo de Oro al mejor actor de reparto: John Goodman

• Casting Society of America (1992):
  • Mejor casting de película dramática: Donna Isaacson y Ellen Lewis

Notas

Referencias

• Allen, William Rodney, ed. The Coen Brothers: Interviews. Jackson: University Press of Mississippi, 2006. ISBN 1-57806-889-4.
• Bergan, Ronald. The Coen Brothers. New York: Thunder's Mouth Press, 2000. ISBN 1-56025-254-5.
• Booker, M. Keith. Postmodern Hollywood: What's New in Film and Why It Makes Us Feel So Strange. Westport, Connecticut: Praeger Publishers, 2007. ISBN 0-275-99900-9.
• Ciment, Michel and Hubert Niogret. "The Coen Brothers Interviewed". Trans. R. Barton Palmer. In Palmer, R. Barton. Joel and Ethan Coen. Urbana: University of Illinois Press, 2004. ISBN 0-252-07185-9. pp. 159-192.
• Coen, Joel and Ethan Coen. Barton Fink & Miller's Crossing. London: Faber and Faber, 1991. ISBN 0-571-16648-2.
• Dunne, Michael. "Barton Fink, Intertextuality, and the (Almost) Unbearable Richness of Viewing". Literature/Film Quarterly 28.4 (2000). pp. 303–311.
• Lyons, Donald. Independent Visions: A Critical Introduction to Recent Independent American Film. New York: Ballantine Books, 1994. ISBN 0-345-38249-8.
• Palmer, R. Barton. Joel and Ethan Coen. Urbana: University of Illinois Press, 2004. ISBN 0-252-07185-9.
• Rowell, Erica. The Brothers Grim: The Films of Ethan and Joel Coen. Lanham, Maryland: The Scarecrow Press, Inc., 2007. ISBN 0-8108-5850-9.

Enlaces externos

• Barton Fink en Internet Movie Database
• Barton Fink en FilmAffinity
• Barton Fink en All Movie Guide (en inglés)
• Barton Fink en Rotten Tomatoes (en inglés)
• Barton Fink en Movie Review Query Engine
• Análisis de Barton Fink (en español)
• Un detallado análisis de Barton Fink (en inglés)
• Guión original de Barton Fink (en inglés)
• You Know, For Kids! - Página de Barton Fink y los hermanos Coen (en inglés)
• Página no oficial de los hermanos Coen (en inglés)
• Animación flash de la película