Rush
Alex Lifeson, Geddy Lee y Neil Peart de Rush en concierto en 2004.
Información personal
Origen	Toronto, Ontario, Canadá
Información artística
Género(s)	Hard rock, rock progresivo[1]
Período de actividad	1968 - actualidad
Discográfica(s)	Moon, Mercury, Anthem, Atlantic
Web
Sitio web	www.rush.com
Miembros
Geddy Lee Alex Lifeson Neil Peart
Antiguos miembros
John Rutsey Jeff Jones

Rush es una banda canadiense de rock progresivo formada en agosto de 1968 en el barrio de Willowdale de Toronto, Ontario. Está integrada por el bajista, teclista y cantante Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el batería y letrista Neil Peart. Su formación pasó por algunas reconfiguraciones entre 1968 y 1974, hasta llegar a sus actuales miembros, cuando Peart reemplazó al batería original John Rutsey, en julio de 1974, dos semanas antes de su primera gira estadounidense.^[1]

Desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en marzo de 1974, han sido reconocidos por su maestría musical, por sus complejas composiciones y por la ecléctica temática de sus letras, las cuales están dominadas por la ciencia ficción, la fantasía y la filosofía liberacional, junto con preocupaciones humanitarias, sociales, emocionales y medioambientales.^{[2] [3]}

Musicalmente, su estilo ha evolucionado a lo largo de los años, desde el heavy metal con inspiración en el blues de sus primeros álbumes, pasando por el hard rock y el rock progresivo, además de un período dominado por los sintetizadores. Han influenciado a cantidad de artistas, como Metallica,^{[4] [5]} The Smashing Pumpkins^[6] y Primus,^[6] además de bandas de metal progresivo como Dream Theater^[4] y Symphony X.^[7]

Ha recibido varios Premios Juno,^[2] además de haber entrado en el Salón de la Fama Musical de Canadá en 1994.^[8] A lo largo de sus carreras, sus miembros han sido reconocidos por ser músicos habilidosos con sus respectivos instrumentos, habiendo recibido, cada uno de ellos, varios reconocimientos de prestigiosas revistas. Como banda, ha conseguido 24 discos de oro y 14 de platino (3 multiplatino), situándose cuartos después de los Beatles, de los Rolling Stones y de Kiss en las certificaciones otorgadas por la RIAA en la historia de Estados Unidos.^[9] Según la RIAA, son también los cuartos detrás de los Beatles, los Rolling Stones y Aerosmith en obtener más certificaciones de oro o platino consecutivas.

Se encuentra en el puesto número 78 de ventas de álbumes con aproximadamente veinticinco millones, sólo en Estados Unidos.^[10] Aunque la venta total a nivel mundial no puede calcularse con exactitud, en 2004, se estimó que habían vendido más de cuarenta millones alrededor del mundo.^{[11] [12] [13] [14]}

Contenido 1 Historia 1.1 Primeros años (1968–1976) 1.2 Rock progresivo (1977–1981) 1.3 Sintetizadores (1982–1989) 1.4 Vuelta a las raíces (1989–1997) 1.5 Descanso y regreso (1997–2005) 1.6 Snakes & Arrows (2006–actualidad) 2 Estilo musical e influencias 3 Reputación 3.1 Geddy Lee 3.2 Alex Lifeson 3.3 Neil Peart 4 Ventas y certificaciones 5 La banda en directo 6 Filantropía 7 Miembros 7.1 Miembros anteriores[108] 8 Discografía 8.1 Álbumes de estudio 9 Premios y nominaciones 10 Referencias 10.1 Bibliografía 11 Enlaces externos

Historia

Primeros años (1968–1976)

Se formó originalmente en el barrio de Willowdale, en Toronto, Ontario, por Alex Lifeson, Jeff Jones y John Rutsey.^[1] Sólo un par de semanas después de su formación, justo antes de su segundo concierto, el bajista y vocalista Jones fue reemplazado por Geddy Lee, un amigo del colegio de Lifeson. Por entonces su representante era Ray Danniels, un manager que había visto sus primeros conciertos en Toronto.^{[15] [16]}

Después de afianzar la formación y afinar sus conocimientos en los bares locales, en 1973, lanzaron su primer sencillo, "Not Fade Away", una versión del tema de Buddy Holly. La cara B era una composición original, "You Can't Fight It", compuesta por Rutsey y Lee. El sencillo tuvo un recibimiento tibio y, debido a diferencias con la compañía discográfica, formaron su propio sello independiente, Moon Records. Con la ayuda de Danniels y el ingeniero de sonido Terry Brown, lanzaron su álbum debut homónimo en 1974, un álbum con grandes influencias de Led Zeppelin.^[17] El álbum Rush sólo tuvo una limitada popularidad local hasta que la emisora de radio de Cleveland, Ohio, WMMS, comenzó a radiarlo. Donna Halper, DJ y directiva de dicha emisora de radio, seleccionó la canción "Working Man" como uno de sus temas habituales. La temática obrera de la canción ayudó a que gustara entre los seguidores del hard rock y a que el álbum se relanzara a través de Mercury Records en Estados Unidos.^{[18] [19]}

Después del lanzamiento de su primer álbum, Rutsey, en julio de 1974, abandonó el grupo debido a su diabetes y a su poca predisposición por tocar en directo.^[20] Hecho que provocó que el resto del grupo llevase a cabo una serie audiciones y, que finalmente, contratasen a Neil Peart como reemplazo de Rutsey. Peart se unió oficialmente el 29 de julio de 1974, dos semanas antes de su primera gira estadounidense. Hicieron su primer concierto juntos, como teloneros de Uriah Heep y Manfred Mann ante más de once mil personas en el Civic Arena de Pittsburgh, Pennsylvania el 14 de agosto. Además de convertirse en el batería, Peart se convirtió en el principal letrista, en detrimento de Lee, que mostraba poco interés en escribir, a pesar de haber firmado las letras del álbum debut,^[21] Por lo que Lee, junto a Lifeson, se enfocó en los aspectos musicales. En Fly by Night (1975), el primer álbum después del reclutamiento de Peart, incluyó por primera vez una pequeña historia épica, llamada "By-Tor and the Snow Dog", repleta de complejos arreglos y de formatos multisección. Los temas de las letras también sufrieron grandes cambios después de la llegada de Peart, debido a su amor por la literatura fantástica y la de ciencia ficción.^[22] Aún así, a pesar de estas diferencias, parte de la música y de las canciones, tenían similitudes con el estilo de blues que usaron en el álbum debut.^{[22] [23]}

Poco después del lanzamiento de Fly By Night, sacaron al mercado Caress of Steel, también en 1975, un álbum de hard rock de cinco temas con dos canciones de múltiples piezas, "The Necromancer" y "The Fountain of Lamneth". Algunos críticos dijeron de Caress of Steel que desentonaba, pero que era un movimiento audaz, debido al lanzamiento de dos álbumes consecutivos tan dispares, además de por sus canciones, más dedicadas a las historias y atmósferas, siendo muy distinto que Fly by Night.^[24] Aunque la intención era que el álbum fuera el pistoletazo de salida de la banda, Caress of Steel vendió menos de lo esperado y la gira de promoción ("Down the Tubes Tour") se tuvo que hacer en recintos pequeños.^[25] En vista de esto, su discográfica les presionó para que su siguiente trabajo fuese más asequible para el público y más cercano a las modas de la época. Pero, ignorando estas peticiones, realizaron el álbum 2112, el cual se convirtió en su primer éxito comercial y su primer disco de platino en Canadá.^[26] Su gira de promoción culminó con tres actuaciones en el Massey Hall de Toronto, que fueron grabadas para el lanzamiento del álbum llamado All the World's a Stage en directo. El crítico de allmusic.com, Greg Prato, recordó a los seguidores cómo el álbum marca los límites entre sus primeros años y la siguiente era de su música.^{[27] [28]}

Rock progresivo (1977–1981)

Después de 2112, se retiró al Reino Unido para grabar A Farewell to Kings y Hemispheres, de 1977 y 1978 respectivamente, en los Rockfield Studios de Gales. Estos álbumes sirvieron para que expandieran el uso de elementos progresivos en su música. Sellos de identidad, como sintetizadores, largas canciones conceptuales y complejos cambios de tempo se convirtieron en el nexo de sus composiciones. Para conseguir una más amplia y progresiva paleta de sonidos, Alex Lifeson comenzó a experimentar con guitarras clásicas y de doce cuerdas, mientras que Geddy Lee, añadió sintetizadores con pedal y Minimoogs. Asimismo, la percusión de Peart se tornó más diversa con triángulos, glockenspiel, temple blocks, cencerros, timbal de concierto, gong y campanas tubulares. Además de las adiciones instrumentales, consiguieron seguir los pasos del incipiente movimiento del rock progresivo componiendo canciones largas y conceptuales con temas de fantasía o ciencia ficción. Aunque, a medida que se acercaba la nueva década, comenzó a alejarse de este estilo en favor de arreglos más cortos y, a menudo, más suaves. Las letras hasta este punto (mayoritariamente escritas por Peart) estaban fuertemente influidas por la poesía clásica, la literatura fantástica, la ciencia ficción y los escritos de la novelista Ayn Rand, como en su canción de 1975 "Anthem", proveniente del álbum Fly By Night, y específicamente reconocible en la derivación de 1976, 2112.^[29]

Permanent Waves (1980) movió drásticamente su estilo musical con la inclusión del reggae y el new wave.^[30] Aunque aún era evidente su estilo hard rock, se introducían cada vez más sintetizadores. Además, en parte por la poca radiodifusión que recibieron las largas canciones compuestas hasta el momento, Permanent Waves incluye canciones más cortas como "The Spirit of Radio" y "Freewill", que ayudaron a que se convirtiese en su primer álbum en entrar en el Top 5 de Estados Unidos; ambas canciones siguen sonando en las radios de rock clásico de Canadá y Estados Unidos hoy en día.^[31] Mientras tanto, las letras de Peart pasaron a ser menos fantásticas o alegóricas para acercarse más a temas como el humanismo, lo social, lo emocional y lo metafísico.

La popularidad de Rush llegó a lo más alto con el lanzamiento de Moving Pictures de 1981, una continuación de Permanent Waves, supliendo al público de más canciones accesibles y comerciales de rock-pop progresivo que ayudó a ponerles en el punto de mira. La canción principal, "Tom Sawyer", es seguramente la más conocida de la banda,^[32] además de "Limelight" que también recibió una buena acogida de seguidores y de emisoras de radio. Moving Pictures fue el último álbum en tener una canción larga, "The Camera Eye", de diez minutos y medio. El tema contiene también varios sintetizadores, lo que daba pie a pensar que el estilo de la agrupación volvía a dar un giro. Moving Pictures llegó al puesto número tres de la lista Billboard 200 de álbumes y ha sido certificado cuádruple platino por la Recording Industry Association of America.^[33]

Siguiendo el éxito de Moving Pictures y sus cuatro otros álbumes, se lanzó su segundo álbum en directo Exit...Stage Left, en 1981, el cual muestra todo el período más progresivo de Rush con grabaciones en directo de las giras de Permanent Waves y de Moving Pictures. Al igual que con su primer álbum en directo, Exit...Stage Left, significó un punto de inflexión para un nuevo cambio en su sonido. Sufrieron un drástico cambio de estilo con el lanzamiento de Signals de 1982.^[34]

Sintetizadores (1982–1989)

Mientras que los sintetizadores de Lee habían aparecido en la música de la banda desde finales de los años 1970, los teclados de repente se desplazaron del contrapunto de fondo a las líneas melódicas,^{[35] [36]} como se denota en canciones como "Countdown" o "Subdivisions". Ambas contienen líneas principales de sintetizador con acordes y solos de guitarra minimalistas. Otras adiciones instrumentales desconocidas hasta entonces aparecen en "Losing It", con la colaboración de Ben Mink tocando el violín eléctrico.^[34]

Signals también representó una drástica transformación en su estilo. El álbum contiene su único sencillo en entrar en el top 40 de Estados Unidos, "New World Man",^[37] mientras que otras canciones más experimentales como "Digital Man", "The Weapon" y "Chemistry" expandieron el uso del ska, el reggae o el funk.^[38] Aunque decidieron de forma consciente moverse en esta dirección, se sintieron poco satisfechos con el tratamiento que Terry Brown, su productor desde hacía tiempo, le dio a Signals y decidieron prescindir de él en 1983.

Para el siguiente álbum de 1984, Grace Under Pressure, siguieron el estilo y la producción de Signals. Fue Peart quién le puso el título, tomando prestadas las palabras de Ernest Hemingway para describir lo que pasó después de tomar la decisión de echar a Terry Brown. Contrataron al productor Steve Lillywhite, afamado por sus trabajos con Simple Minds y U2, para su producción, aunque en el último minuto, éste se echó atrás, a pesar del enfado de Lee, Lifeson y de Peart. Lee dijo que "Steve Lillywhite realmente no es un hombre de palabra....después de aceptar hacer nuestro álbum, recibió una oferta de Simple Minds, cambió de idea, y se marchó... dejándonos en una posición terrible". Finalmente contrataron a Peter Henderson para la coproducción y para que ejerciese de ingeniero de sonido.^[39]

Musicalmente, aunque el uso de los sintetizadores de Lee siguió siendo la piedra angular de la formación, su enfoque hacia las nuevas tecnologías, se vio complementada con la adaptación de las baterías y la percusión electrónica por parte de Peart. Las contribuciones de Lifeson se vieron ampliadas con respecto a su minimalista contribución en Signals.^[40] Aun así, muchas de sus texturas de guitarra se mantuvieron con acordes de reggae, funk y de new wave en canciones como "Distant Early Warning", "Red Lenses", "Red Sector A" y como "The Enemy Within".

Con el nuevo productor, Peter Collins, se lanzó en 1985 Power Windows, y en 1987 Hold Your Fire. La música de estos dos álbumes pone más énfasis y prominencia al trabajo de múltiples capas del sintetizador de Lee. Aunque los seguidores y los críticos vieron el trabajo de guitarra de Lifeson menguado, su presencia seguía palpable en "The Big Money", (sencillo que entró en listas) con destellos en "Grand Designs", "Middletown Dreams" y en "Marathon". Lifeson, como muchos guitarristas de finales de los años 1980, experimentaba con procesadores que reducían su instrumento a acordes con reverberación y con finos punteos. Hold Your Fire representa una modesta extensión de su estilo guitarrístico de Power Windows, y, según el crítico de Allmusic, Eduardo Rivadavia, la culminación de esta época.^[41] Mientras que los cinco álbumes previos de Rush fueron platino o más, Hold Your Fire sólo llegó a ser certificado oro en noviembre de 1987, aunque llegó al puesto número trece en la lista del Billboard 200.^[42]

En 1989 se lanzó el tercer álbum en directo y en formato vídeo, A Show of Hands, a través de Mercury después de las giras de Power Windows y de Hold Your Fire, siendo una buena muestra de esta época de los años 1980. A Show of Hands fue bien recibido por los seguidores, aunque el crítico de la revista Rolling Stone Michael Azerrad, dijo que sólo era "músculo musical", concediéndole una estrella y media, diciendo que sus seguidores veían a su power trio favorito como "La Santa Trinidad".^[43] No obstante, A Show of Hands superó la certificación de oro, llegando al número 21 de la lista del Billboard 200.^[44] Llegados a este punto, decidieron cambiar de discográfica, pasando de Mercury a Atlantic Records. Después de finalizar su contrato en 1989, Mercury lanzó un recopilatorio doble titulado Chronicles (1990).^[45]

Vuelta a las raíces (1989–1997)

Rush comenzó a desviarse de su estilo de los años 1980 con los álbumes Presto y Roll the Bones, ambos producidos por el ingeniero y músico Rupert Hine. Estos dos álbumes ocultan el sonido saturado de teclados de producciones anteriores. Comenzando con el álbum de 1989 Presto, se optó por unos arreglos más orientados a la guitarra que en sus dos previos álbumes de estudio. Aunque aun utilizaban sintetizadores en muchas de sus canciones, el instrumento dejó de ser el centro de sus composiciones. Siguiendo este estilo, Roll the Bones de 1991 se enfocó básicamente en los tres instrumentos estándar del rock, dejando incluso menos lugar para los sintetizadores que su predecesor. Mientras que musicalmente los dos álbumes no se alejan mucho de un sonido pop rock, Rush siguió incorporando detalles de estilos musicales diversos. "Roll the Bones", por ejemplo, tiene elementos de funk y hip hop, mientras que la pista instrumental "Where's My Thing?" contiene varios elementos de jazz.^[46] Esta vuelta a la base de tres instrumentos ayudó a cimentar los pilares de lo que serían sus álbumes de mitad de los años 1990, mucho más orientados hacia el rock.

La transición de sintetizadores hacia arreglos instrumentales más orientadas a la guitarra y a la fórmula de rock común siguió con su álbum de 1993, Counterparts,^[47] y su continuación de 1996, Test for Echo. Musicalmente, Counterparts^[47] y Test For Echo son dos de los álbumes más orientados a la guitarra de Rush. Aunque la música en general no llega a ser rock progresivo, algunas canciones tienen un formato muy dinámico.^[48] Por ejemplo, "Time and Motion" contiene múltiples cambios de tempo y uso de teclados, mientras que el tema instrumental "Limbo", consiste en varios complejos pasajes musicales repetidos a lo largo del tema. Musicalmente, Test For Echo tiene mucho del estilo de hard rock/alternativo del álbum previo. El estilo de tocar de Lifeson y Lee permanece casi igual; aunque, se aprecia una modificación en la técnica de Peart debido a su aprendizaje de jazz y swing con el instructor de batería Freddie Gruber entre Counterparts y Test For Echo.^[49] En octubre de 1996, promocionando Test For Echo, la banda se embarcó en una gira estadounidense, el primero sin teloneros, llamado "An Evening with Rush". La gira se dividió en dos mangas entre octubre y diciembre de 1996 y entre mayo y julio de 1997 con un descanso entre ambas.

Descanso y regreso (1997–2005)

Después de terminar la gira de promoción de Test for Echo en 1997, comenzaron un descanso de cinco años debido en parte a las tragedias personales en la vida de Peart. La muerte de su hija en un accidente de coche en agosto de 1997, seguido de la muerte de su esposa de cáncer en junio del año siguiente, hicieron que Peart decidiese tomarse un descanso, durante el cual se recorrió Estados Unidos en una motocicleta, recorriendo unos 88.000 km. En algún momento del viaje, Peart decidió volver y después escribió el libro Ghost Rider: Travels on the Healing Road como crónica de su viaje. En él cuenta cómo les dijo a sus compañeros en el funeral de Selena, "consideradme retirado".^[50] El 10 de noviembre de 1998 se lanzó un triple CD en directo llamado Different Stages, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline. Mezclado por Paul Northfield y con ingeniería de Terry Brown, contiene tres discos con grabaciones de las giras de Counterparts, Test for Echo y A Farewell to Kings, convirtiéndose en el cuarto álbum en directo de la banda.

Después de un tiempo de reflexión y un tiempo de visita en Los Ángeles para estar con el fotógrafo de la banda Andrew MacNaughtan, Peart conoció a la que sería su segunda esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, con quien se casó el 9 de septiembre de 2000. A comienzos de 2001 anunció a sus compañeros de banda que estaba preparado para volver al estudio y al negocio de la música. Con la ayuda del productor Paul Northfield Rush volvió en mayo de 2002 con Vapor Trails, compuesto y grabado en Toronto. Para anunciar el regreso, el primer sencillo extraído del álbum, "One Little Victory" se hizo para llamar la atención de sus seguidores, lleno de tempos rápidos de guitarra y batería.^[51] Vapor Trails es su primer álbum de estudio que no incluye ni un sólo sintetizador, órgano o teclado desde principios de los años 1970. EL álbum es completamente guitarrero y carece completamente de solos de guitarra convencionales, una decisión tomada por Lifeson durante el proceso de composición. Según la banda, el proceso total de creación de Vapor Trails fue muy exigente y llevó casi catorce meses completarlo, de largo el álbum que más tiempo les llevó componer y producir.^[51] Recibió buenas críticas y dio lugar a la primera gira de la banda en seis años, incluyendo los primeros conciertos de la banda en lugares como Ciudad de México y Brasil, donde tocaron ante numeroso público.

En octubre de 2003 se lanzó un triple CD o DVD llamado Rush In Rio que incluye el último concierto íntegro de la gira Vapor Trails Tour, grabado en el Estadio Maracaná de Rio de Janeiro, Brasil el 23 de noviembre de 2002. Para la celebración de su treinta aniversario lanzaron en junio de 2004 un EP llamado Feedback, grabado en los suburbios de Toronto y que contiene ocho covers de artistas como Cream, The Who y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como inspiración.^[52] En el verano de 2004, Rush comenzó la gira 30th Anniversary Tour, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y los Países Bajos. El 24 de septiembre de 2004 grabaron un concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, para un DVD llamado R30: Live in Frankfurt, lanzado el 22 de noviembre de 2005.

Snakes & Arrows (2006–actualidad)

Durante las entrevistas promocionales del DVD R30 Live In Frankfurt, se reveló la intención de comenzar a componer material nuevo a comienzos de 2006. En enero de 2006, mientras se encontraban en Toronto, Lifeson y Lee comenzaron el proceso de composición. Mientras tanto, Peart comenzó a escribir las letras en su residencia del sur de California. Para septiembre, Rush contrató al productor estadounidense Nick Raskulinecz para coproducir el álbum. La banda entró en los estudios Allaire, en Shokan, Nueva York en noviembre de ese mismo año para comenzar la grabación del material. Llevándoles cinco semanas de trabajo, las sesiones de grabación terminaron en diciembre. El 14 de febrero de 2007 se anunció en su página web el título del nuevo álbum, Snakes & Arrows. El primer sencillo, llamado "Far Cry", fue lanzado en las emisoras de radio de Estados Unidos el 12 de marzo de 2007 y llegó al puesto número dos de la lista Mediabase Mainstream y de la Radio and Records Charts.^[53]

El sitio web de Rush, rediseñado el 12 de marzo para apoyar el álbum, también anunció que comenzarían una gira ese verano de 2007. Snakes & Arrows se lanzó el 1 de mayo de 2007 en Estados Unidos, debutando en el puesto número tres de la lista Billboard 200 con unas 93.000 copias vendidas en su primera semana.^[54] Para coincidir con la época de huracanes del Océano Atlántico, se lanzó la canción "Spindrift" como segundo sencillo del álbum, el 1 de junio de 2007, mientras que "The Larger Bowl (A Pantoum)" se lanzó como sencillo el 25 de junio del mismo año. "The Larger Bowl" entró en el top veinte de la lista Mainstream Rock y Media Base Mainstream, aunque "Spindrift" no llegó a entrar en ninguna lista comercial de importancia.^[55] La gira Snakes And Arrows Tour de apoyo del álbum comenzó el 13 de junio de 2007 en Atlanta, Georgia, concluyendo el 29 de octubre de 2007 en el Hartwall Arena de Helsinki, Finlandia.^[56]

La manga de 2008 de la gira dió comienzo el 11 de abril en San Juan, Puerto Rico en el José Miguel Agrelot Coliseum, y terminó el 24 de julio de 2008 en Noblesville, Indiana en el Verizon Wireless Music Center.^[57] El 15 de abril, se lanzó un doble álbum en directo que documenta la primera manga de la gira, Snakes & Arrows Live.^[58] Las mismas actuaciones filmadas para el Snakes & Arrows Live el 16 y 17 de octubre en el Ahoy Arena de Rotterdam, Países Bajos, fueron lanzados el 24 de noviembre en DVD y Blu-Ray. El vídeo también incluye metraje extraído de la segunda manga de la gira en 2008, grabado en el Verizon Wireless Amphitheater de Atlanta.^{[59] [60] [61]}

Cuando se acercaba al final de la gira de Snakes & Arrows, anunciaron su primera aparición televisiva en Estados Unidos desde hacía treinta años. Stephen Colbert les entrevistó y tocaron "Tom Sawyer" en el programa The Colbert Report el 16 de julio de 2008.^[62] También hicieron una aparición en la película de comedia I Love You, Man.^[63]

El 16 de febrero de 2009, Lifeson anunció que la banda iba a comenzar a trabajar en un nuevo álbum a finales de 2009 con Nick Raskulinecz nuevamente como productor.^[64]

Estilo musical e influencias

El estilo musical de Rush ha cambiado mucho a lo largo de los años. Su álbum debut está fuertemente influenciado por el blues rock británico: una amalgama de sonidos y estilos de bandas como Cream, Led Zeppelin y Deep Purple. En sus primeros álbumes su estilo era básicamente hard rock, con influencias de The Who^[65] y Led Zeppelin,^[17] aunque comenzaba a estar influida por el movimiento de rock progresivo británico de la época.^[66] En la tradición del rock progresivo, Rush compuso canciones largas con tempos irregulares y diversos combinado con letras inspiradas en la ciencia ficción y la fantasía; aunque no bajaron la intensidad de su sonido. Esta fusión de hard rock y rock progresivo continuó hasta finales de los años 1970. En los años 1980 fusionaron su sonido con la moda de la época, experimentando con el New Wave, el reggae y el pop rock.^[67] Este período incluyó el uso de gran diversidad de instrumentos como sintetizadores, secuenciadores y percusión electrónica. Con la llegada de los años 1990 y con su sonido aun intacto, la banda transformó nuevamente su estilo para acoplarse al movimiento del rock alternativo del momento.^[68] En el nuevo milenio han regresado a sus raíces de rock and roll, aunque con producciones elaboradas.^[65]

Reputación

Más de treinta años de actividad les han dado la posibilidad de diversificar sus estilos a lo largo de su carrera. Como muchas bandas conocidas por su experimentación, dichos cambios han dado como resultado inevitables diferencias entre crítica y seguidores. La gran mayoría de su música ha incluido usualmente instrumentación sintética de una u otra forma, siendo amplia fuente de contención en su campo, sobre todo la fuerte dependencia para con sintetizadores y teclados en los años 1980, visible en los álbumes Grace Under Pressure, Power Windows y Hold Your Fire.^{[69] [70]}

Los miembros del grupo han dicho que la gente "los adoran o los odian", dando como resultado grandes detractores y una base de seguidores fieles. En julio de 2008, la revista Rolling Stone comentó que "los seguidores de Rush son los Trekkies/trekkers del rock".^[71] Desde la posibilidad que tuvieron en 1998, no ha sido nominada para entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos. La negativa a incluirles puede ser una consecuencia de su insistencia en apartarse del mainstream a la hora de promocionarse, en favor de mantener gran independencia como banda.^[72]

Sus seguidores mencionan logros como su longevidad, su competencia e influencia, además de sus ventas comerciales y certificaciones RIAA. No obstante, Lifeson ha expresado su indiferencia diciendo "me importa un bledo, mira quienes están nominados, es una broma".^[73] A pesar de no ser reconocidos oficialmente por el Salón de la Fama, se han ganado un reconocimiento en la cultura popular.^[74]

Como banda, ha sido nominada y ha recibido varios premios a lo largo de su carrera. Al igual que sus miembros de forma individual han conseguido reconocimiento por varias revistas de música especializadas, por sus habilidades como instrumentistas.

Geddy Lee

El alto registro vocal de Geddy Lee, ha sido siempre una de las firmas del grupo; y a veces un foco para las críticas, especialmente durante los primeros años de su carrera, cuando su voz era aguda, con gran similitud con otros vocalistas de la época como Robert Plant de Led Zeppelin. Aunque su voz se ha suavizado con los años, a menudo es descrito como un "gemido".^{[75] [76]} Sus habilidades instrumentales, por otro lado, rara vez han sido criticadas. Su estilo, técnica y habilidad tocando el bajo, han sido una influencia para el rock y el heavy metal, inspirando a músicos como Steve Harris de Iron Maiden,^[77] John Myung de Dream Theater,^[78] Les Claypool de Primus^[79] y Cliff Burton de Metallica^[80] entre otros. Además, es reconocido por su habilidad para tocar varios instrumentos de forma simultánea. Hecho que muestra en sus actuaciones en directo, donde toca el bajo, canta, toca el teclado y usa un pedal MIDI, como en "Tom Sawyer".^[66] Debido a esto, ha de quedarse estático en un sitio mientras se tocan las canciones de compleja instrumentación.

Alex Lifeson

Lo más destacado de Lifeson como guitarrista son sus riffs, efectos electrónicos y procesados, sus estructuras de cuerda poco ortodoxas y el uso de un copioso arsenal de equipamiento a lo largo de los años.^{[81] [82] [83]} A pesar de estas consideraciones, a menudo parece que queda relegado tras los otros miembros debido a las habilidades multiinstrumentales de Lee y el estatus como batería de Peart.^[84]

Durante su adolescencia fue influido por Jimi Hendrix, Pete Townshend, Jeff Beck, Eric Clapton y Jimmy Page.^[85] Por versatilidad, Lifeson incorporó guitarras españolas y clásicas al sonido enfocado a la guitarra de la banda en la década de los años 1970. En los años 1980 la guitarra se relevó a un segundo plano, debido a los teclados, mientras que a partir de los años 1990 la guitarra de Lifeson volvió a liderar la banda, especialmente en el álbum Vapor Trails. En las actuaciones en vivo, utiliza muchos efectos, procesadores y sintetizadores, además de hacer coros.

Neil Peart

Peart es comúnmente reconocido por los seguidores, críticos y músicos contemporáneos como uno de los mejores baterías de rock de todos los tiempos.^[86] Además, se le reconoce como uno de los que mejor utiliza los solos de batería en los conciertos.^[87] Inspirado inicialmente por Keith Moon, Peart absorbió la influencia de otros baterías de rock de las décadas de 1960 y 1970 como Ginger Baker, Carmine Appice y John Bonham.^[88] La incorporación de instrumentos inusuales (para baterías de la época) como cencerros, glockenspiel y campanas tubulares, junto a los elementos estándar de una batería, le ayudó a crear un estilo variado. Las baterías de Peart, constantemente remodeladas hasta hoy, le ofrecen una enorme variedad de sonidos. Durante dos décadas, Peart perfeccionó su técnica; cada nuevo álbum de Rush introducía nuevos elementos de percusión. En los años 1990 reinventó su estilo junto al profesor de batería Freddie Gruber.

Peart es también el letrista principal de la agrupación, gustando a lo largo de los años por su ecléctico estilo. Conocido por escribir suites conceptuales y canciones inspiradas en la literatura, las opiniones de los seguidores de la banda varían, entre cerebrales e intuitivas a pretenciosas y sermoneantes. En los primeros años de la formación, las letras de Peart eran básicamente sobre fantasía y ciencia ficción,^[89] aunque a partir de los años 1980 comenzó a enfocarse más en temas sociales, emocionales y humanitarios. Las letras de Peart siguen creando división de opiniones. Por ejemplo, en 2007, se le situó en el puesto número dos de la lista de los 40 peores letristas del rock de la revista Blender.^[90]

Ventas y certificaciones

A lo largo de su carrera, ha obtenido 24 discos de oro y 14 de platino (tres de los cuales han sido multiplatino),^[91] situándolos entre las cuatro bandas de rock que más álbumes de oro han recibido de forma consecutiva.^[92] Está en el puesto número 78 de ventas de Estados Unidos según la RIAA con más de 25 millones de copias vendidas.^[92] Las ventas totales a nivel mundial son de aproximadamente cuarenta millones de copias.^{[93] [94] [95] [96]}

A pesar de haber estado cinco años fuera de la luz pública, después de su álbum certificado oro Test for Echo (que llegó al puesto número cinco en el Billboard 200) y ser relegados casi exclusivamente a las emisoras de radio de rock clásico en Estados Unidos, Vapor Trails llegó al número seis del Billboard 200 en su primera semana de lanzamiento en 2002, con más de 108.000 copias vendidas, habiendo vendido aproximadamente 343.000 unidades hasta la fecha. La gira de promoción de Vapor Trails recaudó más de 24 millones de dólares y ha sido su gira más multitudinaria hasta la fecha; por ejemplo, 60.000 seguidores en São Paulo, Brasil. Sin embargo, Vapor Trails es su único álbum que no ha sido certificado oro como mínimo.

No obstante, su triple CD en directo de 2003, Rush in Rio, fue certificado oro por la RIAA, siendo la cuarta década en la que había conseguido un álbum certificado como mínimo oro. Además, en 2004, Feedback entró en el top 20 de la lista del Billboard 200 y recibió bastante radiodifusión. Su álbum más reciente, Snakes & Arrows, debutó en el puesto número tres (sólo una posición por debajo del puesto más alto conseguido con su álbum de 1993, Counterparts, que debutó en el número dos) en el Billboard 200 vendiendo aproximadamente 93.000 copias en su primera semana de lanzamiento.^[97] Esto supone su decimotercer álbum de estudio en llegar al top 20 y el vigesimoséptimo en aparecer en la lista a lo largo de su carrera. Además, debutó en el puesto número uno del Billboard Top Rock Albums, igual que en la lista de Top Internet Albums, cuando se lanzó en formato MVI al mes siguiente.^[98]

Las dos giras consecutivas de apoyo de Snakes & Arrows en 2007 y 2008, recaudaron 21 millones y 18,3 millones de dólares, respectivamente, convirtiéndolos en el número seis y ocho en recaudación de ventas de entradas esos veranos.^{[99] [100]}

La banda en directo

El equipo comparte una fuerte ética de trabajo, con el deseo de recrear las canciones de sus álbumes de la forma más fiel posible en sus actuaciones en directo. Para ello, a finales de los años 1980, incluyó en su equipo de directo un rack de efectos digitales, en tiempo real, para recrear los sonidos que no se pueden conseguir con instrumentos tradicionales, acompañamientos, armonías vocales, y otros sonidos que aparecen en las versiones de estudio de sus canciones.

En sus actuaciones en vivo, comparten esta obligación a lo largo de los conciertos, mediante samplers a través de MIDI.^[101] Es con esta tecnología que el grupo es capaz de presentar sus arreglos en directo con la complejidad y fidelidad que aparecen en sus álbumes, sin tener que recurrir a grabaciones alternativas u otros músicos en el escenario.^[102] Este método de samplers en directo es claramente visible en sus directos, y más específicamente en su DVD de 2005 R30: 30th Anniversary World Tour.

Un clásico en sus conciertos es el solo de batería de Peart, que se compone de una serie de rutinas coincidentes conectada con una serie de improvisaciones, cambiando en cada gira. Desde mediados de los años 1980, ha usado módulos de sonido MIDI para lanzar samplers de instrumentos de percusión, que de otra manera ocuparían mucho espacio, como marimbas, arpas, temple blocks, triángulos, glockenspiel, campanas o vibraslap, entre otros.

Filantropía

Rush participa de forma activa con varias causas benéficas. Fue una de las bandas de diversas ciudades en tocar en el Molson Canadian Rocks for Toronto, también llamado SARStock, en el Downsview Park de Toronto el 30 de julio de 2003, con una asistencia de más de medio millón de personas. El concierto se hizo para recaudar dinero tras la epidemia de SARS del año anterior. También ha defendido en numerosas ocasiones los derechos humanos, donándole cien mil dólares, después de un concierto en Winnipeg, el 24 de mayo de 2008.^[103] Rush continúa vendiendo camisetas y donando lo recaudado para el museo.^[104]

De forma individual también han tomado parte en acciones de filantropía. Lifeson ha supervisado y utilizado amplificadores Hughes & Kettner durante años. Supervisó la creación de un amplificador del cual se donan cincuenta dólares a UNICEF por cada unidad vendida.^[105] Lee, seguidor del béisbol, donó 200 pelotas firmadas por jugadores de la Negro League, incluyendo a Willie Mays, Hank Aaron y Josh Gibson, al museo de Negro Leagues Baseball en junio de 2008.^[106]

Aparecen en el álbum Songs for Tibet, junto a otros famosos en soporte del Tibet y el actual Dalai Lama Tenzin Gyatso, el cual puede descargarse en iTunes desde el 5 de agosto de 2008 y también puede adquirirse en formato CD desde el 12 de agosto de 2008.^[107]

Miembros

• Geddy Lee – bajo, voz, teclados, melotrón, pedales de bajo y sintetizador, guitarra rítmica (septiembre de 1968 – presente).
• Alex Lifeson – guitarras (6 y 12 cuerdas), mandolina, Bouzouki, coros, pedales de bajo y sintetizador (agosto de 1968 – presente).
• Neil Peart – batería y percusión acústica y electrónica (julio de 1974 – presente).

Miembros anteriores^[108]

• John Rutsey – batería, percusión, voces (agosto de 1968 – julio de 1974).
• Lindy Young – teclados, guitarra rítmica, coros (25 de diciembre de 1968/enero de 1969 – julio de 1969)
• Mitch Bossi – guitarra rítmica, coros (febrero de 1971 – mayo de 1971)
• Joe Perna – bajo, voz principal (mayo de 1969 – julio de 1969)
• Jeff Jones – bajo, voz (agosto de 1968 – septiembre de 1968).

Discografía

Álbumes de estudio

Año	Título	Discográfica
1974	Rush	Mercury Records
1975	Fly by Night	Mercury Records
1975	Caress of Steel	Mercury Records
1976	2112	Mercury Records
1977	A Farewell to Kings	Mercury Records
1978	Hemispheres	Mercury Records
1980	Permanent Waves	Mercury Records
1981	Moving Pictures	Mercury Records
1982	Signals	Mercury Records
1984	Grace Under Pressure	Mercury Records
1985	Power Windows	Mercury Records
1987	Hold Your Fire	Mercury Records
1989	Presto	Atlantic Records
1991	Roll the Bones	Atlantic Records
1993	Counterparts	Atlantic Records
1996	Test for Echo	Atlantic Records
2002	Vapor Trails	Atlantic Records
2004	Feedback (EP)	Atlantic Records
2007	Snakes & Arrows	Atlantic Records

Premios y nominaciones

Entre los numerosos premios y nominaciones que ha recibido destacan los siguientes:^[2]

Año	Premio o nominación	Grabación	Notas
1974	Premio Juno		Banda más prometedora del año
1978	Premio Juno		Banda del año
1979	Premio Juno		Banda del año
1981	Nominación Grammy a Mejor actuación de rock instrumental	"YYZ"	Ganador "Behind My Camel" de The Police
1990	Premio Juno		Artista de la década de 1980
1991	Premio Juno		Mejor álbum de hard rock/metal (Presto)
1992	Premio Juno		Álbum de hard rock del año (Roll the Bones)
1992	Nominación Grammy a Mejor actuación de rock instrumental	"Where's My Thing?"	Ganador "Cliffs of Dover" de Eric Johnson
Marzo de 1994	Inclusión en el Salón de la Fama de Canadá[8]
1995	Nominación Grammy a Mejor actuación de rock instrumental	"Leave That Thing Alone"	Ganador "Marooned" de Pink Floyd
2004	Premio Juno		DVD de música del año (Rush in Rio)
2004	Nominación Grammy a Mejor actuación de rock instrumental	"O Baterista" de Rush In Rio	Ganador "Mrs. O'Leary's Cow" de Brian Wilson
2008	Nominación Grammy a Mejor actuación de rock instrumental	"Malignant Narcissism" de Snakes & Arrows	Ganador "Once Upon a Time in the West" de Bruce Springsteen
2009	Nominación Grammy a Mejor actuación de rock instrumental	"Hope (Live For The Art Of Peace)" de Songs for Tibet: The Art of Peace	Ganador "Peaches in Regalia" de Zappa Plays Zappa (con Steve Vai y Napoleon Murphy Brock)

Referencias

Bibliografía

• Bill Banasiewicz (1988). Rush: Visions: The Official Biography (en inglés). Omnibus Press. ISBN 0-7119-1162-2.
• Jon Collins (2006). Rush: Chemistry : The Definitive Biography , Tapa dura edición (en inglés), Helter Skelter Publishing. ISBN 1-900924-85-4.
• Steve Gett (1984). Rush: Success Under Pressure (en inglés). Cherry Lane Books. ISBN 0-89524-230-3.
• Brian Harrigan (1982). Rush (en inglés). Omnibus Press. ISBN 0-86001-934-9.
• Carrie Nuttall (2005). Rhythm & Light (en inglés). Rounder Books. ISBN 1-57940-093-0.
• Neil Peart (2002). Ghost Rider: Travels on the Healing Road, Tapa dura edición (en inglés), ECW Press. ISBN 1-55022-546-4.
• Neil Peart (1996). The Masked Rider: Cycling in West Africa (en inglés). Pottersfield Press. ISBN 1-895900-02-6.
• Neil Peart (2006). Roadshow: Landscape With Drums - A Concert Tour By Motorcycle (en inglés). Rounder Books. ISBN 1-57940-142-2.
• Neil Peart (2004). Traveling Music: Playing Back the Soundtrack to My Life and Times (en inglés). ECW Press. ISBN 1-55022-664-9.
• Peart, Neil y Bill Wheeler (1985). Drum Techniques of Rush (en inglés). Warner Bros. ISBN 0-7692-5055-6.
• Peart, Neil y Bill Wheeler (1989). More Drum Techniques of Rush (en inglés). Warner Bros.
• (en inglés). ISBN 0-7692-5051-3.
• Martin Popoff (28). Contents Under Pressure: 30 Years of Rush at Home and Away (en inglés). ECW Press. ISBN 1-55022-678-9.
• Price, Carol S. y Robert M. Price. Mystic Rhythms: The Philosophical Vision of Rush (en inglés). Wildside Press. ISBN 1-58715-102-2.
• Robert Telleria (2002). Rush Tribute: Merely Players (en inglés). Quarry Press. ISBN 1-55082-271-3.

Enlaces externos

Commons

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Rush.

Wikiquote

• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Rush.
• Sitio web oficial de Rush (en inglés)
• Sitio web oficial de Neil Peart (en inglés)
• Página de Rush en Atlantic Records (en inglés)
• Anillo de sitios dedicados a la banda (en inglés)
• The Rush Chronicles - Sitio web no oficial (en inglés)
• Proyecto de tablaturas de Rush (en inglés)